Living in the Material World

Living in the Material World —en español: Viviendo en el mundo material— es un álbum de estudio del músico británico George Harrison. Publicado por el sello Apple Records en 1973, fue el tercer lanzamiento del músico tras la separación de The Beatles, después de su debut en solitario, All Things Must Pass, y del álbum en directo The Concert for Bangladesh, que recoge el primer concierto benéfico en la historia del rock. 

A diferencia de su debut en solitario, el álbum incluyó un sonido menos elaborado, debido a la ausencia de Phil Spector en la producción musical, y contó con la colaboración de un grupo reducido de músicos de sesión, entre los que figuraron Nicky Hopkins, Klaus Voormann, Jim Keltner, Ringo Starr y Leon Russell, entre otros. Por otra parte, parte del álbum profundizó en el interés de Harrison por la filosofía hindú, en canciones como «Give Me Love», «The Lord Loves the One» y «Try Some, Buy Some». Otros temas como «Sue Me, Sue You Blues» y «Living in the Material World» incluyeron referencias al legado de The Beatles y a su relación con sus antiguos compañeros de grupo.

Tras su publicación, Living in the Material World obtuvo buenas reseñas por parte de la prensa musical.  Al respecto, la revista Rolling Stone calificó el álbum como «un clásico del pop», un trabajo que «destaca como un acto de fe, milagroso en su esplendor». Por su parte, el autor Simong Leng se refirió al álbum como «una superproducción olvidada» que representa «el fin de una era, la última ofrenda de la era de The Beatles en Londres».

Desde el punto de vista comercial, el álbum mantuvo el éxito de su predecesor y alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de Canadá y Estados Unidos,  así como la segunda posición en países como el Reino Unido, Australia y Suecia.   A las dos semanas de su publicación, la RIAA certificó el álbum como disco de oro. En 2006, Capitol Records y EMI remasterizaron y reeditaron el álbum con material extra.

Tras la separación de The Beatles en abril de 1970, Harrison obtuvo una importante repercusión mediática y comercial por el éxito de All Things Must Pass, su primer trabajo en solitario, y por la organización de The Concert for Bangladesh, un concierto benéfico a favor de las víctimas de la Guerra de Liberación de Bangladés.  Sin embargo, encontró problemas para lograr que la recaudación íntegra del concierto llegase a gente necesitada. El retraso en la publicación del álbum por Capitol Records, las reuniones transatlánticas con abogados y miembros de los gobiernos estadounidense y británico, así como problemas técnicos con el material filmado en el Madison Square Garden, obligaron a Harrison a retrasar otros proyectos musicales durante un año, entre ellos la grabación del sucesor de All Things Must Pass.

A finales de 1971, Harrison produjo el sencillo de Ringo Starr «Back Off Boogaloo» y la canción de Lon & Derrek Van Eaton «Sweet Music»,  y ayudó a Ravi Shankar a promocionar el documental Raga. En una entrevista en la revista Disc and Music Echo en diciembre, el pianista Nicky Hopkins relató que había participado en la sesión de grabación de «Happy Xmas», un sencillo de John Lennon, durante la cual Harrison había tocado «entre dos y tres horas» de nuevas canciones. Hopkins sugirió que el trabajo en el nuevo álbum comenzaría entre enero y febrero de 1972, aunque los problemas relacionados con The Concert for Bangladesh pospusieron la grabación.

Entre tanto, a lo largo de 1972, Harrison profundizó en su interés por el visnuismo debido a su relación de amistad con Bhaktivedānta Swami, fundador de la Asociación Internacional para la Conciencia de Krishna. En agosto, tras la publicación de The Concert for Bangladesh, Harrison emprendió un viaje por Europa sin su por entonces mujer, Pattie Boyd, durante el cual reconoció como anécdota haber cantado el mantra Hare Krishna durante un día entero, según sus palabras. Joshua Greene, escritor y devoto de la Asociación, describió el viaje de Harrison como la «preparación» para grabar Living in the Material World.

Las canciones de Living in the Material World reflejaron tanto la devoción espiritual de Harrison en temas como «Give Me Love», «The Lord Loves the One» y «Try Some, Buy Some»,   como sus sentimientos tras la organización de The Concert for Bangladesh en temas como «Miss O'Dell» y «The Day the World Gets 'Round».  Sin embargo, y a diferencia de «la dulce satisfacción de fe» que englobaba su devoción a Krishna en All Things Must Pass, según las palabras de Anthony DeCurtis, el trasfondo religioso de Living in the Material World incluye una mayor austeridad como resultado de su experiencia con el concierto benéfico. John Barham, que trabajó en la orquestación de las canciones, sugirió que la causa de este cambio pudo ser una crisis espiritual, aunque otros señalaron a su fallida relación con Pattie Boyd. El propio Harrison reveló que en 1972 comenzó a escribir «So Sad», una canción que señalaba el fin de la relación y publicada al año siguiente en el álbum Dark Horse. El biógrafo Simon Leng escribió sobre la mentalidad de Harrison durante la grabación del álbum: «Living in the Material World encontró a Harrison en el mismo sitio que John Lennon cuando compuso "Help!", conmocionado por la avalancha de éxito repentino y preguntándose dónde se encontraba».

Sin embargo, la adhesión de Harrison a metas espirituales no fue siempre consistente, debido a estilos de vida confrontados: Chris O'Dell, amigo de Harrison y Boyd, bromeó en una ocasión que era difícil saber si el músico «metía la mano en la siempre presente bolsa de las oraciones o en la bolsa de la cocaína». Varios biógrafos también recalcaron la misma dualidad: por una parte, Harrison se ganó el apodo afectivo de «Su Conferenciante», mientras que por otro lado, participaba en sesiones subidas de tono para el primer trabajo en solitario de Bobby Keys y en la grabación del tema de Harry Nilsson «You're Breakin' My Heart», durante la primera mitad de 1972. Del mismo modo, Harrison perdió por segunda vez su licencia de conductor tras conducir su Mercedes-Benz a 145 kilómetros por hora y sufrir un accidente en una rotonda, en el cual su mujer Boyd sufrió las lesiones más graves.

Otras canciones incluyeron referencias a los pleitos entre los antiguos integrantes de The Beatles para disolver legalmente Apple Corps, como en el caso de «Sue Me, Sue You Blues», y alusiones a la historia del grupo, como en «Living in the Material World». También incluyó mensajes de deseo por vivir en el presente y alejarse de su anterior identidad en el grupo en temas como «The Light That Has Lighted the World», «Who Can See It» y «Be Here Now». Especialmente, la letra de «Who Can See It» refleja un distanciamiento con su estátus en The Beatles a la sombra de John Lennon y Paul McCartney en los versos: «I've been held up, I've been run down, I can see quite clearly now through those past years when I played towing the line». En relación con este estátus, y según las enseñanzas de Swami Prabhupada, todas las actividades que le llevaron a la fama no significaban nada en la visión del mundo de Harrison en 1972. Tal y como escribió en su autobiografía I, Me, Mine en 1980: «El Señor no se manifiesta a través del ego». Incluso en una canción pop aparentemente convencional como «Don't Let Me Wait Too Long», el amor se entregaba «como si viniese de arriba», según la concepción visual de Harrison.

Tras el sonido «wagneriano» de All Things Must Pass, resultado de la producción musical de Phil Spector, Harrison estaba interesado en obtener un sonido más discreto para «liberar» las canciones. Aunque volvió a llamar a Spector para que coprodujera el álbum, una vez comenzadas las sesiones de grabación en octubre de 1972, el músico decidió producir el álbum en solitario. Aun así, Spector fue acreditado como coproductor de «Try Some, Buy Some», una canción grabada a comienzos de 1971 para un álbum de Ronnie Spector que nunca llegó a publicarse. 

De forma opuesta a lo ocurrido en su álbum debut, que contó con la colaboración de una larga lista de músicos, Harrison contrató a un pequeño núcleo de amigos para grabar Living in the Material World. Además de su antiguo compañero en The Beatles, Ringo Starr, rescató de las sesiones de All Things Must Pass al teclista Gary Wright y al bajista Klaus Voormann, y volvió a trabajar con el arreglista John Barham. También contrató a Jim Keltner y a Jim Horn, quienes participaron en The Concert for Bangladesh, así como al teclista Nicky Hopkins, cuyo vínculo musical con Harrison se remontaba a la grabación del sencillo de Jackie Lomax «Sour Milk Sea».  Por último, Pete Ham y Tom Evans, miembros del grupo Badfinger, se sumaron al grupo en las sesiones que tuvieron lugar entre el 4 y 11 de octubre, aunque no fueron finalmente acreditados en la publicación.

Parte de las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Apple Studios de Londres, aunque según Voormann, gran parte del trabajo se realizó en los estudios personales que Harrison construyó en Friar Park.  Voormann recordó haber grabado su parte en «Be Here Now» en un baño de la mansión, y el documental de Martin Scorsese muestra imágenes de músicos tocando en Friar Park durante las sesiones. Durante los fines de semana de los meses de septiembre y octubre de 1972, Harrison, Voorman y Horn participaron en la grabación de The Tin Man Was a Dreamer, el primer disco en solitario de Hopkins, en los estudios de Apple.

La grabación continuó en diciembre del mismo año sin la colaboración que Hopkins, que viajó a Jamaica para trabajar con The Rolling Stones en el álbum Goats Head Soup. Durante este mes, Harrison volvió a trabajar en «Sue Me, Sue You Blues», una canción que originalmente cedió a Jesse Ed Davis, y también coprodujo In Concert 1972, un álbum en directo de Ravi Shankar y Ali Akbar Khan. En diciembre también produjo una versión primeriza de «Photograph», una canción que coescribió con Starr y que cedió a su compañero para que la publicase en el álbum Ringo.

Entre enero y febrero de 1973, Harrison volvió a Apple Studios para sobregrabar las canciones con voces y partes instrumentales de percusión, guitarra slide e instrumentos de viento. En el caso de «Living in the Material World», añadió una sección instrumental hindú con sitar, flauta y tabla. Las últimas partes grabadas para el álbum fueron los arreglos orquestales de John Barham en «The Day the World Gets 'Round», «Who Can See It» y «That Is All», a comienzos de marzo. Una vez completada la producción, Harrison viajó a Los Ángeles para trabajar en los discos de Shankar y Starr Shankar Family & Friends y Ringo, respectivamente.

Living in the Material World tuvo una recepción mayoritariamente positiva en la prensa musical. El crítico Stephen Holden de la revista Rolling Stone alabó el álbum como un «clásico del pop, un disco profundamente seductivo», por el cual valía la pena esperar dos años y medio. En la misma reseña, añadió: «Afortunadamente, el álbum no es solo un evento comercial, sino el trabajo más conciso y el mejor concebido por un Beatle desde John Lennon/Plastic Ono Band». En el mismo sentido, Nicholas Schaffner de Village Voice aprobó el gesto del cantante en donar los derechos de publicación del álbum a la recién creada asociación caritativa The Material World Charitable Foundation, y alabó las «exquisitas bases musicales» del disco. Schaffner reconoció que, aunque el «dogma transcendental» no era de su gusto, Harrison había «ideado una exuberante devoción en el rock diseñada para transformar los equipos de música de sus seguidores en templos». Por otra parte, la revista Billboard señaló los dos temas principales presentes en el álbum, «The Beatles y su batiburrillo» frente a la «capa espiritual», y definió la voz de Harrison como «de primer nivel».

Entre los críticos musicales que no estaban de acuerdo con la evaluación de Holden, la reacción fue menos eufórica que con la publicación de All Things Must Pass. Algunos, particularmente en el Reino Unido, criticaron lo que vieron como «insinuaciones de predicador» y «una naturaleza implacablemente piadosa». La crítica del diario NME concluyó diciendo: «Es tan condenadamente sagrado que podría gritar». En el mismo estilo, la reseña que Carr y Tyler publicaron dos años después en The Beatles: An Illustrated Record fue igualmente negativa, en la cual criticaron el hábito de Harrison por «imponer didácticamente las Sagradas Memorias sobre inocentes coleccionistas de discos» y declararon que la temática espiritual del álbum «es casi tan ofensiva en sí misma como el álbum Some Time in New York City de John Lennon». Sobre las críticas a su fe, Harrison comentó en una entrevista para Melody Maker: «Se sienten asustados cuando hablas de algo que no es simplemente "Be-Bop-A-Lula". Si dices las palabras Dios o Señor, a algunos se les eriza el pelo».

En contraposición a la letra de las canciones, la prensa destacó la producción y la musicalidad del álbum. Al respecto, Schaffner declaró: «Seguramente Phil Spector nunca tuvo un discípulo más atento». Carr y Tyler, críticos con la temática religiosa, destacaron los «excelentes y logradas piezas de guitarra slide», mientras que otros periodistas identificaron los solos en «Give Me Love», «The Lord Loves the One» y «Living in the Material World» como ejemplares y los mejores de la carrera de Harrison.  

Décadas después de su publicación, Living in the Material World siguió dividiendo a analistas y periodistas musicales. En 2002, Greg Kot escribió para la revista Rolling Stone que encontraba el álbum «tristemente monocromático» en comparación con All Things Must Pass, mientras que Zeth Lundy comentó en PopMatters que sufre de «una extensión más anónima» comparado con la «inmensa relevancia» de su predecesor. En contraposición, John Metzger se refirió a Living in the Material World en su crónica para Music Box como «el álbum más infravalorado e ignorado de su carrera» y añadió que «la belleza zen que emana de los himnos de Harrison es sutilmente afectiva».

Entre los biógrafos de Harrison, el escritor Alan Clayson destacó del álbum la «autoproducción con criterios más cercanos al estilo de George Martin». Según Clayson: «Dentro de un entorno más restrictivo, Harrison fue capaz de reclamar el título de rey de la guitarra slide en el rock and roll y de mostrar su posiblemente mejor interpretación vocal en un disco con la canción «Who Can See It», al estilo de Roy Orbison». Robert Rodriguez también aprobó la producción estética que liberó las canciones de Harrison de la «tiranía» que supuso el muro del sonido de Spector, lo cual permitió a los instrumentos «brillar y tener espacio para respirar en sus melodías».

Gary Tillery, otro biógrafo de Harrison, consideró Living in the Material World «una buena pieza de acompañamiento» para su triple álbum de 1970, mientras que Simon Leng lo describió como su disco favorito de la carrera musical de Harrison. En su libro While My Guitar Gently Weeps: The Music of George Harrison, Leng describió que, con su combinación de una «canción protesta» como «The Day the World Gets 'Round», de su «lucha contra el estrellato» en «The Lord Loves the One» y de su «perfecta confección pop» en «Give Me Love», Living in the Material World fue el último álbum en capturar el espíritu lúcido y utópico que caracterizó la década de 1960.

La publicación de Living in the Material World coincidió con un calendario repleto de ediciones de Apple Records, que tenía programados para publicar los recopilatorios 1962–1966 y 1967–1970, de The Beatles, y Red Rose Speedway, el segundo álbum de Paul McCartney & Wings, entre abril y mayo de 1973. El álbum fue precedido por la difusión en las emisoras de radio de su primer y único sencillo, «Give Me Love», que supuso el segundo número uno de Harrison en los Estados Unidos tras «My Sweet Lord». La publicación del álbum estuvo acompañada de una campaña de publicidad impresa que incluyó paneles publicitarios combinando la portada y la contraportada del disco, así como fotografías publicitarias de Harrison impresas por Apple, con la palma de la mano extendida y enseñando la portada del álbum.

La edición se fijó finalmente en el calendario para el 30 de mayo de 1973 en Norteamérica y el 21 de junio en el Reino Unido.  Tras el éxito previo de All Things Must Pass y la expectación por un nuevo trabajo, Living in the Material World obtuvo un éxito comercial inmediato: en Estados Unidos, una semana después de su publicación, entró en el puesto once de la lista Billboard 200, y alcanzó el primer puesto en su segunda semana tras desplazar al álbum Red Rose Speedway de McCartney. El disco se mantuvo cinco semanas en lo alto de la lista estadounidense y consiguió la certificación de disco de oro, otorgada por RIAA, a los dos días de su edición debido a las copias reservadas antes de su publicación.  En el Reino Unido, el álbum alcanzó el segundo puesto de la lista de discos más vendidos.

A pesar de sus ventas iniciales, su éxito posterior se vio limitado por la decisión de Apple de cancelar la publicación de «Don't Let Me Wait Too Long» como segundo sencillo promocional en Estados Unidos. En el mismo sentido, Harrison decidió no promocionar su recién publicado trabajo con entrevistas o actuaciones en público: el único medio de promoción fueron cintas pregrabadas y enviadas a la BBC para su emisión en el programa Radio One Club. A pesar de la escasa promoción, Harrison consiguió alcanzar de forma simultánea el primer puesto tanto en la lista de discos como en la de sencillos más vendidos por segunda vez en su carrera con Living in the Material World y «Give Me Love», tras lograrlo tres años antes con All Things Must Pass y «My Sweet Lord».

Al igual que con All Things Must Pass y The Concert for Bangladesh, Harrison confió el diseño del álbum a Tom Wilkes y a su compañero Craig Baun.  El resultado fue una carpeta doble descrita por Stephen Holden en la revista Rolling Stone como «bellamente empaquetada con simbólicas portadas hechas a mano y la dedicatoria: All Glories to Sri Krsna», mientras que Nicholas Schaffner admiró «la representación en color de las escrituras hindúes» en la forma de una pintura del libro Bhagavad Gita que representa a Krishna con Áryuna, un arquero y guerrero, en un carro tirado por Uchchaihshravas, un caballo de siete cabezas. Harrison utilizó posteriormente la imagen de perfil del caballo con siete cabezas como logotipo de su propio sello discográfico, Dark Horse Records, fundado un año más tarde. En la parte posterior de la imagen, incluyó por primera vez el símbolo om en rojo sobre un fondo amarillo, un distintivo presente en trabajos posteriores como Extra Texture, Thirty Three & 1/3 y Brainwashed.

La portada del álbum incluyó una fotografía de la palma de la mano de Harrison mostrando un medallón hindú y tomada con una cámara Kirlian en el departamento de parasicología de la Universidad de California en Los Ángeles. La contraportada incluyó una fotografía semejante, en la que se usó la misma técnica y en la cual Harrison mostraba tres monedas de dólar: una moneda de plata y dos cuartos de dólar. En el interior de la doble carpeta, Wilkes incluyó una fotografía de Harrison con otros músicos —de izquierda a derecha, Ringo Starr, Jim Horn, Klaus Voormann, Nicky Hopkins, Jim Keltner y Gary Wright— sentados en una larga mesa con comida y bebida, en una parodia deliberada del cuadro de Leonardo da Vinci La última cena. Al igual que con las monedas de dólar de la contraportada, varios detalles en la fotografía interior, tomada por el fotógrafo Ken Marcus en el jardín de la casa del abogado Abe Somers, representan lo que Harrison denominó como «aspectos brutos» de la vida en el mundo material. Años más tarde, el biógrafo Alan Clayson especuló sobre el simbolismo y posibles mensajes ocultos en la fotografía: según el autor, la enfemera que porta un carrito de bebé en el fondo del jardín es una posible alusión a la esterilidad de Pattie Boyd, mientras que la silla de ruedas vacía es una referencia a su madre, fallecida tres años antes. Además, el teólogo Dave Allison observó un sentimiento antireligioso en la fotografía por la ropa de Harrison, que viste un hábito de sacerdote y porta en la mano izquierda un revólver: según Allison, «un golpe al materialismo y la violencia de la iglesia de Roma».

En la parte inferior de la contraportada, el diseño incluyó detalles de un ficticio club de seguidores de Jim Keltner, al cual se podía solicitar información mandando un «elefante desnudo estampado» a una dirección postal de Santa Mónica, California. Este detalle supuso un gesto de agradecimiento al batería, además de una indirecta a Paul McCartney, que había fundado recientemente un club de fans de Wings, su nuevo grupo, y cuyo símbolo a modo de alas circunda el nombre de Keltner en el texto. 

Capitol Records publicó Living in the Material World por primera vez en disco compacto en enero de 1992 sin material extra. Tras la reedición de All Things Must Pass en enero de 2001, Harrison mostró su interés en remasterizar y reeditar el resto de su catálogo musical siguiendo el orden cronológico de su publicación original. Sin embargo, su muerte en noviembre del mismo año obligó a su familia a posponer los proyectos pendientes para finalizar Brainwashed, su último trabajo de estudio, y para organizar Concert for George, un concierto homenaje a su carrera.

Finalmente, el 26 de septiembre de 2006, un año después de la reedición de The Concert for Bangladesh, EMI reeditó Living in the Material World en tres formatos: una edición limitada en LP, otra en disco compacto y una tercera edición deluxe en formato digipack con el CD original, un DVD y un libreto de cuarenta páginas con fotografías inéditas de Mal Evans y Barry Feinstein, además de anotaciones de Kevin Howlett y las letras de las canciones transcritas de la autobiografía de Harrison, I Me Mine. El disco incluyó dos temas extra: «Deep Blue» y «Miss O'Dell», publicados originalmente como caras B de los sencillos «Bangla Desh» y «Give Me Love» respectivamente.

El DVD incluyó material audiovisual de la canción «Give Me Love» interpretada durante una gira por Japón en 1991 con Eric Clapton, además de clips con escenas rodadas durante la grabación de «Living in the Material World» y material de archivo con versiones alternativas de «Sue Me, Sue You Blues» y «Miss O'Dell».

Wonderwall Music

Wonderwall Music es el primer álbum en solitario de George Harrison y la banda sonora de la película Wonderwall. 

La mayoría de los temas son instrumentales, a excepción de algunas voces indias y un tema que incluye una conversación hablada, y fueron en parte grabadas en diciembre de 1967 en Inglaterra, y en parte en Bombay, India, en enero de 1968. Wonderwall Music es notable por ser el primer trabajo en solitario de un Beatle, si bien en junio de 1967 la banda sonora de la película The Family Way fue compuesta por Paul McCartney y contiene música de fondo que no es considerada como un álbum oficial propiamente dicho.

Mientras la mayoría de músicos indios son acreditados con su nombre real, Eric Clapton, Ringo Starr y Peter Tork, entre otros, figuran bajo seudónimos. Asimismo, Harrison figura como productor, compositor y adaptador.

Además del álbum, la canción "The Inner Light", que aparecería como cara B del single "Lady Madonna" y constituiría la última publicación bajo el sello Parlophone en el Reino Unido y bajo el de Capitol Records en Estados Unidos, fue grabada aprovechando la presencia de músicos hindúes en los estudios de grabación. Así pues, Wonderwall Music supone también el primer álbum de un Beatle publicado bajo el sello discográfico Apple Records, creado por el grupo, semanas antes de la aparición del Álbum Blanco.

A pesar de no entrar en las listas de éxitos británicas, Wonderwall Music alcanzó el puesto #49 en las listas estadounidenses a comienzos de 1969.

Todas los temas compuestos por George Harrison.

Las pistas 2, 5, 8, 10, 11, 14, 16 y 18 fueron grabadas en Inglaterra, mientras las 1, 3, 4, 6, 7, 9, 12, 13, 15, 17 y 19 lo fueron en India.

Double Fantasy

Double Fantasy Es el nombre del octavo y último álbum de estudio editado en vida del músico británico John Lennon y de su esposa, Yōko Ono, publicado el 17 de noviembre de 1980 en el recién creado sello discográfico Geffen Records. Supuso el último álbum autorizado por Lennon antes de su muerte.

John Lennon le autografió un ejemplar de este disco a Mark David Chapman. Ese disco fue el último autógrafo que dio John Lennon y fue subastado en el año 2003 alcanzando un precio de 525,000 dólares, convirtiéndolo así en el disco más caro en la historia. El disco aún sin datos oficiales en ventas, ha vendido más de 8 millones de copias a nivel mundial, de las cuales 3 millones de copias a la fecha son vendidas en Estados Unidos, y 300,000 copias vendidas en su país natal Inglaterra.

Desde entonces, se ha publicado remasterizado en 2000 y finalmente el 5 de octubre de 2010, con versiones alternativas en el disco llamado Double Fantasy Stripped Down Mixes.

Con el nacimiento de su hijo Sean en 1975, Lennon dejaría de lado su carrera musical para ver crecer a su hijo y para retomar su relación perdida con Julian. En el verano de 1980, tanto Lennon como Ono se sentirían con fuerzas suficientes para volver al trabajo y comenzar a componer.

Tras cinco años de inactividad musical y alejado de los estudios de grabación, Lennon estaba en su máximo momento de creatividad. Por otra parte, había cumplido su sueño de aprender a navegar, llegando a poner en práctica su recién adquirida experiencia viajando en barco a las Islas Bermudas acompañado de un personal reducido. Una vez en Bermuda, comenzó a escribir las canciones que conformarían su nuevo álbum y a finalizar los demos que había grabado durante cinco años en su hogar de Nueva York.

Yoko Ono propondría al productor de Aerosmith Jack Douglas para trabajar en el futuro álbum de Lennon, dándole las grabaciones caseras para que las escuchara. "Mi inmediata impresión fue que iba a tener un tiempo difícil haciéndolo mejor que en los demos porque allí había mucha intimidad", relataría Douglas en 2005.

Lennon, Ono y Douglas produjeron docenas de canciones a comienzos de agosto, suficientes para llenar el hueco de Double Fantasy e incluso de futuros proyectos: un segundo álbum, Milk and Honey, entraría en la fase de ensayos cuando Lennon fue asesinado en diciembre.

Lennon y Ono decidirían finalmente publicar sus canciones de forma conjunta en un álbum por primera vez desde el controvertido álbum de 1972 Some Time in New York City. Subtitulado A Heart Play, Double Fantasy supondría una colección de canciones en la que John y Yoko cantarían el uno para el otro.

Fichado por David Geffen para su nuevo sello discográfico, Geffen, junto a Elton John y Donna Summer, Double Fantasy sería precedido por el single "(Just Like) Starting Over", que entraría entre los primeros cinco puestos de las listas de éxitos. El álbum en sí fue recibido con mucho interés, debido a su publicación tras un periodo de descanso de cinco años en la carrera musical de Lennon. Aun así, las ventas no fueron del todo generosas. El álbum debutó en el puesto #27 en las listas británicas, alcanzando la siguiente semana el puesto #14, si bien posteriormente descendería hasta el #25 y al #46, haciendo del puesto #14 su posición más alta. En Estados Unidos, la situación fue similar: el álbum debutó en el puesto #21, ascendiendo pronto al puesto #12 y posteriormente al #11.

La noche del 8 de diciembre de 1980, Mark David Chapman disparó a John Lennon cinco veces a las puertas del edificio Dakota. Lennon fallecería aproximadamente veinte minutos más tarde. "La última vez que vi a Lennon tenía una increíble sonrisa en su cara", reconocería Jack Douglas al periodista Chris Hunt. "Era la noche que terminamos "Walking on Thin Ice". Estaba emocionado, al igual que Yoko, porque todos sabíamos que habíamos alcanzado lo que John quería hacer con ese tema. Le acompañé hasta el ascensor y le di las buenas noches. Cuarenta minutos después mi compañera vino al estudio, muy pálida". "Está en la radio", dijo. "Dispararon a John"."’

Con la pérdida de Lennon, Double Fantasy alcanzaría el puesto #1 en numerosos países, pasando del #11 a la primera posición en Estados Unidos y del #46 al #2 en el Reino Unido, en el cual se estancaría siete semanas antes de ascender al primer puesto. "(Just Like) Starting Over" también se convertiría en un éxito a nivel mundial, alzándose hasta el primer puesto de las listas, al igual que pasaría con otros álbumes de Lennon y The Beatles. Los siguientes singles extraídos del álbum, "Woman" y "Watching The Wheels", se convertirían también en éxitos.

Capitol Records lanzó una edición especial en formato de CD el 10 de octubre del año 2000, que conmemoró el que hubiese sido el 60 aniversario del nacimiento de Lennon, a casi 20 años de la salida del álbum. También para esa fecha fue reeditado el primer disco en solitario del músico, llamado John Lennon/Plastic Ono Band, publicado originalmente en 1970.

Double Fantasy fue remasterizado, con fotos inéditas y un bonus track hasta esa fecha no publicado, con la colaboración cercana de Yoko Ono.

Los temas adicionales son el demo "Help Me to Help Myself" composición desconocida de Lennon que fue grabada y terminada apenas unas horas antes de su asesinato. Es un blues con él en piano y voz, al que se le hicieron arreglos musicales y coros posteriores.

El segundo tema es una nueva versión de "Walking on Thin Ice" de Yoko, y finaliza con unas breves palabras de Lennon en un diálogo con ella. Éstas fueron grabadas en Central Park en una fecha no especificada y cercana a la edición del disco en 1980, que dicen:

"Well, here we are again. Just two average people strolling through the park".

El 5 de octubre de 2010, Yoko Ono lanzó por tercera y última vez este disco, esta vez bajo el nombre de Double Fantasy Stripped Down Mixes en formato de dos CD: el número 1, una nueva mezcla de 2010, que retira gran parte de la post producción de estudio y nos muestra despejadas y al frente la voz de Lennon y su guitarra. El disco número 2 es el álbum original de 1980.

Según Yoko Ono, "Double Fantasy Stripped Down permite centrar la atención en la voz de John. La tecnología ha avanzado tanto que, en cambio, yo quería utilizar nuevas técnicas para enmarcar realmente estas increíbles canciones y la voz de John de la forma más sencilla posible. Despojando y simplificando de parte de los arreglos e instrumentaciones, el poder de las canciones brilla y trasluce con una mayor claridad. Fue mientras trabajaba en la nueva versión de este álbum cuando me sentí más profundamente emocionada, ya que este fue el último álbum que publicó John antes de su muerte".

A cierta similitud con Let It Be… Naked de The Beatles en este trabajo se eliminaron la gran mayoría de arreglos musicales, coros y pistas de voz dobles realizadas en la producción de 1980, con la finalidad de que se escuchara la voz al natural de Lennon en primer plano y con el objeto de darle un sonido más básico y radicalmente distinto.

El mayor interés reside en los finales extendidos.Todas las canciones incluyen introducciones y codas que no se conocían en la versión editada y que, siendo divertidas, insisten en esa impresión de "live in the studio", Sin embargo, en algunas canciones no resultan tan evidentes la falta de instrumentación y mantienen cierta similitud a las publicadas previamente.

El disco contiene como un tema adicional, una nueva versión de "Every Man Has a Woman Who Loves Him", en la que John y Yoko interpretan la canción a dúo prácticamente a capela.

Stripped Down Mixes fue recibido con críticas variadas, entre mixtas a positivas.

La foto de la cubierta del álbum fue obra del artista japonés Kishin Shinoyama. Se registró en una tarde de agosto en el Central Park de Nueva York tres meses antes de que el disco viera la luz.

Está ubicada justo enfrente del hogar de John y Yoko en el edificio Dakota. Según su autor, la sesión fue muy espontánea y breve, a pesar de no estar familiarizado con ninguno de los dos. Había sólo unas pocas personas alrededor cuando la pareja se sentó en una banqueta junto a un estanque, con la puesta de sol del otoño al fondo. Una vez allí, les pidió que se besaran, a lo que accedieron. Como contraportada, se aprecia a ambos tomados de la mano saliendo del mismo edificio.

La foto originalmente fue captada a colores, pero por decisión de Ono se editó en blanco y negro. Según explicó ella en el artítulo tributo Lennon Remembered publicado en la Rolling Stone de diciembre de 2010: "Pensé que sería reflejar la aspereza del álbum convirtiéndola en blanco y negro. Pensé que sería enviar el mensaje de que se trataba de un documental y no de una ficción. Pero `La vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes´, como dijo John. Cuando miro la cubierta ahora, me pregunto si no había más en la historia de lo que la convierte en blanco y negro que no estaba en mis cálculos".

Para 1984, fue utilizada otra foto muy similar de la misma sesión, pero esta vez a colores, para el póstumo y final Milk and Honey.

La edición especial de Double Fantasy Stripped Down Mixes presenta la misma portada y contraportada como dibujos en lápiz de las fotografías.

Yoko Ono y Shinoyama se volvieron a reunir hasta diciembre de 2010, en el mismo lugar para conmemorar los 30 años de la muerte de John Lennon y para una nueva sesión de fotos. 

Goodnight Vienna

Goodnight Vienna es el cuarto álbum de estudio del músico británico Ringo Starr, publicado por la compañía discográfica Apple Records en 1974.

  Grabado en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles, Goodnight Vienna continuó con el éxito comercial y crítica de su predecesor, Ringo, publicado un año antes, y mantuvo su estilo con la producción de Richard Perry y la compañía de músicos invitados como John Lennon, Elton John, Jim Keltner, Harry Nilsson, Vini Poncia y Billy Preston, entre otros.

Tras su publicación, Goodnight Vienna consiguió un resultado comercial ligeramente inferior a Ringo, alcanzando el puesto 8 en la lista estadounidense Billboard 200 y la posición 30 en la lista británica UK Albums Chart. Además, fue certificado como disco de oro por la RIAA al superar el medio millón de copias vendidas.

Ringo, publicado a finales de 1973, otorgó a Starr su primer gran éxito comercial tras la disolución de The Beatles en 1970 y la publicación de Sentimental Journey y Beaucoups of Blues, dos álbumes en los que Starr se alejó de la música rock para adentrarse en géneros como el jazz y el country. Aunque Ringo no alcanzó el primer puesto en las listas de discos más vendidos, los dos primeros sencillos extraídos del álbum, «Photograph y «You're Sixteen», dieron a Starr sus dos primeros números uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100.

En un intento por mantener el éxito conseguido, Ringo entró de nuevo en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles en agosto de 1974. Bajo la producción de Richard Perry, Ringo siguió la fórmula de su predecesor, invitando a músicos de renombre como su antiguo compañero en The Beatles, John Lennon, así como a amigos como Billy Preston, Robbie Robertson, Elton John, Harry Nilsson y Vini Poncia, entre otros. A diferencia de su predecesor, en el que contó con la participación de sus tres antiguos compañeros de The Beatles, George Harrison y Paul McCartney no participaron en la grabación de Goodnight Vienna.

Lennon compuso el tema principal del álbum, «(It's All Da-Da Down To) Goodnight Vienna», que contó con la participación de Klaus Voormann al bajo, Jim Keltner a la batería y Billy Preston al clavinet, y de la que Ringo grabó un reprise para cerrar el álbum, en la que se oye a Lennon gritar: «With gusto boys, with gusto!» al comienzo. Lennon también sugirió a Ringo que versionara la canción de The Platters «Only You», usada como primer sencillo promocional, y tocó la guitarra en la canción «All By Myself».

El álbum también contó con composiciones de Roger Miller, Elton John y Allen Toussaint, entre otros, además de composiciones del propio Ringo en solitario, tales como «Call Me», y en colaboración con Vini Poncia, como «All By Myself» y «Oo-Wee». Además de las canciones incluidas en el álbum, durante las sesiones se grabó «Skokiaan», una canción inédita hasta la fecha.

Publicado en noviembre de 1974, Goodnight Vienna mantuvo el éxito de crítica de su predecesor y fue situado junto a Ringo entre sus mejores trabajos en solitario tras la separación de The Beatles. Al respecto, William Ruhlmann escribió para Allmusic: «Goodnight Vienna es otro trabajo agradable de Ringo, pero peca de la falta de poder y consistencia de su predecesor. Aun así, comparado con el resto de sus álbumes de la década de 1970, fue una obra maestra». Por su parte, el crítico musical Robert Christgau comentó sobre el álbum: «El tema que da título al álbum es bueno, al igual que «The No No Song», y lo hace suficientemente bien con el resto del material bien escogido, siendo la excepción las tres canciones en las que figura como compositor. Pero la fórmula de superación acaba por amortiguarse. En Beacoups of Blues tuvo mayor iniciativa».

Aun así, Goodnight Vienna obtuvo un éxito comercial ligeramente inferior. El álbum alcanzó el puesto 8 en la lista estadounidense Billboard 200 y el 30 en la lista británica UK Albums Chart, siendo el último álbum de Ringo en entrar en las listas de discos más vendidos de su país natal hasta la publicación en 1998 de Vertical Man. El primer sencillo, «Only You», fue publicado como avance del álbum y alcanzó el primer puesto en la lista Adult Contemporary Chart y el 6 en la lista Billboard Hot 100. Un segundo sencillo, «No No Song», alcanzó el puesto 3 en la lista Hot 100.

Goodnight Vienna fue remasterizado y editado por primera vez en disco compacto en 1992 con tres temas extra: el sencillo «Back Off Boogaloo», publicado originalmente en 1972; «Blindman», su cara B; y una versión larga de la canción de Paul McCartney «Six O'Clock».

En 2007, con motivo del regreso de Starr a Capitol Records y previo a la publicación del álbum Liverpool 8, Goodnight Vienna fue publicado en formato de descarga digital junto a sus otros tres primeros trabajos a través de la tienda digital iTunes.

La portada de Goodnight Vienna es un homenaje a la película de ciencia-ficción The Day the Earth Stood Still, en la que Ringo adopta la identidad del actor Michael Rennie. El personaje interpretado por Rennie fue el extraterrestre Klaatu, un nombre adoptado por una banda canadiense falsamente identificada como un seudónimo de The Beatles. En el largometraje, Klaatu llega a la Tierra para entregar un mensaje, según el cual el planeta necesita adoptar vías pacíficas, un mensaje que coincide con el lema de Ringo de «paz y amor».

Walls and Bridges

Walls and Bridges es el quinto álbum de estudio del músico británico John Lennon, publicado por Apple Records en 1974. Grabado y editado durante su separación de Yōko Ono, el álbum refleja a un Lennon en la mitad de su conocido "Lost Weekend", periodo que duraría dieciocho meses.

Walls and Bridges supone el último álbum de Lennon sin la participación de Yōko Ono. Aparentemente, fue intentado en un principio como álbum acústico y de ritmos bajos, al estilo de Bob Dylan, si bien la influencia de Elton John le inspiraría a añadir más instrumentos a la mayoría de los temas.

En el otoño de 1973, después de la publicación de Mind Games, Lennon viajaría con su asistenta personal y compañera sentimental May Pang a Los Ángeles para grabar un álbum de versiones junto a Phil Spector. En un momento dado, Spector desaparecería con varias de las cintas originales grabadas, obligando a Lennon a regrabar la mayor parte del álbum en 1974 para posteriormente ser publicado en 1975 bajo el título de Rock 'n' Roll.

John Lennon pasaría la mayor parte de los primeros meses alejado de Yoko con Pang y otros amigos, entre los que figuraban Ringo Starr, Keith Moon y Harry Nilsson. Contribuyó a los álbumes de Starr Ringo y Goodnight Vienna y produjo el álbum de Harry Nilsson Pussy Cats. A mediados de 1974, Lennon comenzaría a preparar material para su nuevo trabajo, trasladándose a Nueva York en junio para ensayar y grabar con un reducido número de músicos, incluyendo a su amigo Jim Keltner en la batería y a Jesse Ed Davis en la guitarra.

Producido nuevamente de forma individual, sin la participación de Spector, Walls and Bridges hace uso de un sonido más optimista que en Mind Games, si bien algunas de las letras dejan claro que a pesar de su libertad, Lennon echaba de menos a Ono. "Going Down On Love", "What You Got", "Bless You" y "Nobody Loves You" suponen un testamento de la nostalgia vivida por Lennon durante este periodo.

El álbum recoge dos canciones destacadas en su carrera musical: "Whatever Gets You Thru The Night" y "#9 Dream". La primera, en la que Elton John participa en el piano y en los coros, alcanzaría el puesto #1 en las listas de singles estadounidenses la misma semana en que Walls and Bridges se alzaría hasta lo más alto de las listas de LP. Tras perder una apuesta en la que ambos músicos discutieron sobre el potencial comercial del single, Lennon daría su primera aparición pública en mucho tiempo el 28 de noviembre, en el Madison Square Garden, interpretando el tema en cuestión junto a Elton John. De forma adicional, se interpretaron los temas "I Saw Her Standing There", de The Beatles, y "Lucy In The Sky With Diamonds" para un público entre el cual figuraba Yoko Ono, quien se reuniría con Lennon entre bastidores.

Durante una de sus esporádicas visitas a Estados Unidos para ver a su padre, su hijo de once años Julian Lennon ayudaría a John a grabar una versión del tema "Ya Ya", que aparecería al final de Walls and Bridges.

Además del número 1 en Estados Unidos, Walls and Bridges supuso un nuevo éxito en el Reino Unido, donde se alzó hasta el puesto #6. Al igual que Mind Games, Walls and Bridges queda eclipsado en la carrera musical de Lennon por álbumes como John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, aunque permanece como uno de sus mejores trabajos para muchos devotos. Entre ellos, el propio Elton John llegó a calificar Walls and Bridges como el mejor álbum en solitario de un Beatle.

Walls and Bridges sería remezclado y reeditado en noviembre de 2005, con una portada alternativa que retendría la firma y el título escrito al álbum y que mostraría una de las fotografías hechas por Bob Gruen, a diferencia del dibujo infantil de la tapa original. Los temas adicionales incluidos en la reedición son "Whatever Gets You Thru The Night", en directo junto a Elton John, y una versión acústica de "Nobody Loves You", así como una entrevista promocional de Lennon.

Esclerosis lateral amiotrófica

La esclerosis lateral amiotrófica es una enfermedad degenerativa de tipo neuromuscular. Se origina cuando unas células del sistema nervioso llamadas motoneuronas disminuyen gradualmente su funcionamiento y mueren, provocando una parálisis muscular progresiva de pronóstico mortal: en sus etapas avanzadas los pacientes sufren una parálisis total que se acompaña de una exaltación de los reflejos tendinosos. 

A pesar de ser la enfermedad más grave de las motoneuronas, la ELA es simplemente una de las muchas enfermedades que existen en las que se ven afectadas estas células nerviosas. Entre otras, se incluyen en este tipo de enfermedades, la atrofia muscular espinal y sus variantes juvenil e infantil, en la que sólo se afectan las motoneuronas espinales, la esclerosis lateral primaria en la que se afectan exclusivamente las motoneuronas centrales y la enfermedad de Kennedy o que es un trastorno genético que afecta a varones de mediana edad.

El nombre de la enfermedad, descrita por primera vez en 1869 por el médico francés Jean Martin Charcot, especifica sus características principales:

En la ELA, las funciones cerebrales no relacionadas con la actividad motora, esto es, la sensibilidad y la inteligencia, se mantienen inalteradas. Por otro lado, apenas resultan afectadas las motoneuronas que controlan los músculos extrínsecos del ojo, por lo que los enfermos conservan los movimientos oculares hasta el final. Igualmente, la ELA no daña el núcleo de Onuf, por lo que tampoco resultan afectados los músculos de los esfínteres que controlan la micción y defecación.

La enfermedad afecta, especialmente, a personas de edades comprendidas entre los 40 y 70 años, más frecuentemente en varones y entre los 60 y 69 años. Cada año se producen unos 2 casos cada 100 000 habitantes. Sin que se sepa la causa concreta, la ELA ha afectado también, en ocasiones, a grupos de personas: jugadores de fútbol italiano, veteranos de la Guerra del Golfo y habitantes de la isla de Guam.

La ELA se conoce también con otros nombres:

Se trata de una enfermedad tan frecuente como la esclerosis múltiple y más que la distrofia muscular. En el ámbito popular, es conocida especialmente por ser la que padece el físico Stephen Hawking el cual es el paciente más famoso con esta enfermedad..

Aunque los síntomas tempranos varían de un sujeto a otro, todos los pacientes suelen mostrar los siguientes trastornos: se les caen los objetos, tropiezan, sienten una fatiga inusual en brazos o piernas, muestran dificultad para hablar y sufren calambres musculares y tics nerviosos.

La debilidad muscular implica dificultad a la hora de andar y la dificultad de coordinación en alguna de sus extremidades. La extensión de ese debilitamiento y de la parálisis al tronco termina por provocar problemas para masticar, tragar y respirar, llegándose a la necesidad, a este último respecto, de recurrir a la ventilación mecánica.

Progresivamente, aparecen movimientos musculares anormales como fasciculaciones, espasmos, sacudidas, calambres o debilidad, o una anormal pérdida de masa muscular o de peso corporal. La progresión de la enfermedad es normalmente irregular, es decir, asimétrica. A veces, la progresión es muy lenta, desarrollándose a los largo de los años y teniendo períodos de estabilidad con un variable grado de incapacidad.

En ningún momento se afectan las facultades intelectuales, ni los órganos de los sentidos ni hay afectación de los esfínteres ni de la función sexual. La enfermedad cursa sin dolor aunque la presencia de calambres y la pérdida de la movilidad y función muscular acarrean cierto malestar. En cualquier caso, esta sensación suele desaparecer con la medicación específica y el ejercicio. En algunos casos, aparecen síntomas relacionados con alteraciones de la afectividad denominados labilidad emocional y que en ningún caso significa que exista un auténtico problema psiquiátrico.

En general, la ELA no está considerada como una enfermedad hereditaria, pero el tener un familiar con este padecimiento, debe de ser considerado en una historia clínica.

En cualquier caso, desde hace muchos años se sabe que existe una forma familiar aproximadamente en el 5-10% de los casos de ELA. Se sabe, no obstante, de la existencia de una enzima genéticamente probada, la SOD-1 que está involucrada en la aparición de algunos casos de ELA familiar.

En la actualidad, se llega al diagnóstico de ELA familiar cuando otros miembros de la familia padecen la enfermedad. Cuando no existen antecedentes familiares, la aparición de un caso en la familia se entiende como esporádico, y en este sentido, los familiares del paciente no tienen un riesgo mayor que el resto de la población de padecer la enfermedad.

Las causas de la ELA son desconocidas y no se conoce tampoco un tratamiento eficaz para detener su curso.

En cuanto a la manera en que se desencadena la ELA en la mayoría de los pacientes, el equipo del neurólogo Teepu Siddique publicó en la revista Nature, el 21-8-2011 un estudio en el que se apunta a la existencia de una causa común subyacente en todas las formas de la enfermedad: un defecto en una proteína llamada ubiquitina 2, encargada de degradar y reciclar otras proteínas. 

Entre las hipótesis habituales para explicar su origen destacan los agentes infecciosos virales, disfunción del sistema inmunitario, la herencia, exposición a las sustancias tóxicas, los desequilibrios metabólicos y la desnutrición.

Varios estudios científicos     han encontrado correlaciones estadísticas entre ciertos pesticidas agrícolas y ELA.

Se desconoce también por qué el proceso degenerativo se centra de manera específica en las motoneuronas y no en el resto de neuronas. Al respecto, se ha apuntado a algunas características específicas de aquellas que comportarían unas peculiaridades metabólicas que determinarían su vulnerabilidad al agente o agentes causantes de la enfermedad.

Como característica histopatológica de la ELA se encuentra la acumulación anormal de neurofilamentos hiperfosforilados en el soma neuronal y en los axones. Esta acumulación implicaría una desorganización neuronal que interrumpe el transporte axoplásmico y produce daño neuronal.

Se han señalado distintos procesos como parte del mecanismo patogénico de los daños selectivos que provoca la ELA: el proceso de excitotoxicidad mediada por glutamato, el estrés oxidativo, el daño mitocondrial, las alteraciones en el citoesqueleto y en el transporte axoplasmático, alteración de la glía y un metabolismo anormal del ARN y los fenómenos de neuroinflamación y autoinmunidad.

En cuanto al mecanismo excitotóxico en la ELA, estaría implicado el principal neurotransmisor que usan las neuronas para generar señales excitadoras es el glutamato. Un exceso de concentración de este en el espacio extracelular del cerebro implica efectos letales sobre las neuronas. A estos efectos, uno de los fármacos más empleados en el tratamiento de la ELA, el riluzol, limita la exitotoxicidad mediada por glutamato.

También constituye un elemento principal de la ELA la neuroinflamación, esto es, la invasión del sistema nervioso de leucocitos circulantes y la activación de la microglía, provocando una acumulación de células microgliales y astrogliales hipertróficas que conlleva el incremento del daño neuronal.

La ELA afecta principalmente a adultos entre 40 y 70 años, aunque hay muchos casos descritos en pacientes más jóvenes. La proporción entre hombres y mujeres es aproximadamente 1/3 a favor de los varones. En España se estima que cada año se diagnostican casi unos 900 casos nuevos de ELA y que el número total de personas que viven con ELA ronda las 4.000, aunque estas cifras pueden variar. La incidencia de esta enfermedad en la población española es de 2/100 000 y la prevalencia es de 1/10 000.

El diagnóstico es fundamentalmente clínico, es decir, no existe ninguna prueba específica que dé el diagnóstico definitivo. Después de que se haya sospechado el diagnóstico de ELA, se pueden practicar diversas pruebas para descartar otras enfermedades que pueden simular la ELA. Con estas pruebas, el estudio de la historia clínica del paciente y el examen neurológico, es suficiente generalmente para llegar al diagnóstico definitivo.

Entre las pruebas que se pueden realizar para ayudar al diagnóstico, se encuentran la resonancia magnética nuclear, cerebral o espinal, la electromiográfico, y determinados análisis de sangre específicos. En muchas ocasiones, el diagnóstico definitivo puede tardar varios meses en producirse, aun después de realizar todos las pruebas pertinentes y observar la evolución de los síntomas.

Por ahora no existe ningún tratamiento probado contra la ELA. Sin embargo, el reciente descubrimiento de determinados factores de crecimiento neuronal y de agentes bloqueantes del glutamato, se han mostrado prometedores en la detención de la progresión de la enfermedad, aunque no existe aún ningún fármaco que la cure.

Sí existen fármacos para combatir el conjunto de síntomas que acompaña a la enfermedad, como son los calambres, la espasticidad, las alteraciones en el sueño o los problemas de salivación. Existen numerosas estrategias muy eficaces para cuando aparecen las alteraciones respiratorias o cuando surgen problemas relacionados con las secreciones. Los fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales y logopedas, son los profesionales encargados de asegurar la independencia funcional a través del ejercicio y la utilización de los equipos técnicos oportunos.

La gran complejidad del tratamiento multidisciplinar hace necesario el desarrollo de vías clínicas que organicen y homogeneicen con sentido las atenciones a estos pacientes, en pos de mejorar su calidad de vida. En este sentido en 2006 se desarrolló en la Comunidad de Madrid una red de atención con una vía clínica para los cuidados de estos pacientes en un trabajo en equipo coordinado por el Dr. Rodríguez de Rivera.

La FDA de Estados Unidos ha aprobado como tratamiento el uso de riluzol, una molécula que prolonga la vida varios meses porque bloquea la liberación de sustancias nocivas para las neuronas motoras: frena la liberación de glutamato, disminuyendo su efecto excitotóxico.

Existe también la vía del uso terapéutico de factores neurotróficos, pero esta se encuentra con el problema de que, al tener que actuar sobre las neuronas a través de receptores específicos, precisan de ser administrados directamente en el líquido cefalorraquídeo o por vía intratecal.

Otra de las posibles vías para el tratamiento de la esclerosis lateral amiotrófica es el Concepto Bobath. Ferulización para evitar deformidades articulares.

Por último, ciertos datos experimentales revelan que las células madre ejercen efectos neuroprotectores sobre las motoneuronas dañadas a través de factores liberados.

César Chávez

César Estrada Chávez fue un líder campesino estadounidense activista en favor de los derechos civiles para campesinos estadounidenses, quien con Dolores Huerta formó la Asociación Nacional de Trabajadores del Campo y que después cambió a Unión de Trabajadores Campesinos. Su liderazgo consistió en restringir la inmigración de trabajadores ilegales en el campo y la protección del mejor pago y los derechos de los campesinos estadounidenses sindicalizados. Con este fin, levantó protestas contra el empleo de migrantes mexicanos en el campo y la deportación al Servicio de Inmigración y Naturalización de campesinos que rehusaban unirse al sindicato de campesinos, UFW. Logró exitosas batallas, entre ellas la terminación del "Programa Bracero" favoreciendo ventajosamente a los trabajadores campesinos estadounidenses. En un esfuerzo para impedir el cruce de inmigrantes indocumentados por la frontera con México, en 1973, organizó a miembros del sindicato de campesinos UFW para trazar lo que se llamo la "Wet Line", donde miembros del sindicato bloqueaban el paso de la frontera Arizona-Sonora en zonas inhabitadas del desierto; por este motivo actualmente se le compara como el "Minuteman" de nuestros tiempos; estas acciones no obstante favorecieron a los trabajadores estadounidenses, llevaron a la discriminación, persecución y victimización de los trabajadores indocumentados. Por su labor en favor de los campesinos estadounidenses, a César Chávez se le considera uno de los más importantes luchadores sociales por los derechos de los campesinos en los Estados Unidos de América.

En 1965, Chávez y la NFWA dirigieron una huelga de los recolectores de uva en demanda de mejores salarios, apoyada por un boicot de uvas. Cinco años después, sus esfuerzos resultaron en la primera victoria importante para los trabajadores en EE.UU. Influenciado por la filosofía de Gandhi, continuó la lucha contra las compañías más grandes, y llegó a participar en tres huelgas pacíficas de hambre, logrando mejores salarios y condiciones laborales para los campesinos norteamericanos. Previo a su muerte, preparaba un boicot contra el uso de pesticidas dañinos entre otras cosas chavez era fanatico de los pumas de la unam decia que era su primer amor.

Fundó the Asociación Nacional de Trabajadores del Campo que después se convertiría en la coalición Trabajadores del Campo Unidos. También apoyó la organización League of United Lantin Americans Citizens por muchos años.

Se volvió un héroe del movimiento laboral estadunidense por apoyar los derechos de los trabajadores norteamericanos en detrimento de los trabajadores indocumentados. Chávez también era vegetariano y creía en los derechos de los animales.

Chávez es recordado en California, donde el congreso local aprobó en el año 2000 una propuesta para crear un día festivo pagado en su honor. La festividad es celebrada el 31 de marzo, el día del cumpleaños de Chávez. Texas también reconoce el día, y en Arizona y Colorado es día festivo opcional. Este día festivo es el primero en la historia de los Estados Unidos otorgado a un mexicano-estadounidense y a un líder de los trabajadores. En su honor fundaron una escuela en la ciudad de Phoenix, Arizona. La escuela se llama Cesar Chavez High School.

Muchas ciudades también le han rendido honores renombrando calles y escuelas por Chávez. Entre estas ciudades se incluyen: San Francisco, Los Ángeles, Santa Bárbara, Calexico, Oxnard, Houston, Santa Fe, Austin, Milwaukee, Washington D.C., Kansas City, Missouri, Saint Paul, Salt Lake City y Phoenix. Las ciudades californianas de Sacramento, San Diego, Berkeley, Calexico, San José, San Antonio El Paso también han renombrado parques en su memoria. El servicio postal estadounidense le dedicó una estampilla en 2004. Murió en el año 1993 en San Luis

Stop and smell the roses

Stop and Smell the Roses es el octavo álbum de estudio del músico británico Ringo Starr, publicado por la compañía discográfica RCA Records en noviembre de 1981.

Tras los fracasos comerciales de Ringo the 4th y Bad Boy, Ringo tardó tres años en volver a entrar en un estudio de grabación, centrando su carrera en la actividad cinematográfica. Con la participación de amigos y celebridades musicales como Paul McCartney, George Harrison, Stephen Stills, Ron Wood y Harry Nilsson, entre otros, Ringo completó un álbum, titulado You Can't Fight Lightning, que fue rechazado por Portrait Records.

Bajo el nombre de Stop and Smell the Roses, el álbum fue finalmente publicado por RCA Records y se convirtió en el mayor éxito de Ringo desde la publicación en 1974 de Goodnight Vienna, a pesar de que solo alcanzó el puesto 98 de la lista estadounidense Billboard 200, mejorando las ventas de su etapa en Polydor Records. Sin embargo, la ligera mejoría con respecto a sus anteriores trabajos no fue suficiente para consolidar su carrera y RCA Records rescindió su contrato a mediados de 1982.

Tras el fracaso comercial de Bad Boy, Ringo decidió dejar momentáneamente de lado su carrera musical para centrarse en su faceta cinematográfica. En 1979 protagonizó película El cavernícola y conoció durante el rodaje a Barbara Bach, con quien contrajo matrimonio un año después. A comienzos de 1980, Ringo contactó con Paul McCartney para entrar en el estudio de grabación. Tras la publicación del álbum McCartney II y la inminente disolución del grupo Wings, McCartney y Starr viajaron el 11 de julio a los Super Bear Studios de Bear-Les-Alpes, cerca de la ciudad de Niza, Francia, para grabar tres canciones: «Private Property» y «Attention», ambas compuestas por McCartney, y una versión de «Sure To Fall».

En agosto de 1980, Stephen Stills se sumó a las sesiones y grabó con Ringo la canción «You've Got A Nice Way». Apenas un mes después, Ron Wood aceptó la invitación de Ringo y escribió «Dead Giveaway», grabada el 23 de septiembre en los Cherokee Studios de Los Ángeles. Entre el 19 y el 25 de noviembre, Ringo se desplazó al estudio de grabación de George Harrison en Friar Park. Mientras rehacía partes de su último trabajo, Somewhere in England, que había sido rechazado por Warner Bros., Harrison presentó a Ringo la canción «Wrack My Brain», que fue grabada con la colaboración de Al Kooper al piano y Ray Cooper en la percusión junto a «You Belong to Me», una canción popularizada por Patti Page, y una primera versión de «All Those Years Ago». Sin embargo, Ringo rechazó «All Those Years Ago» porque no le gustaba la letra, y tras el asesinato de John Lennon en diciembre de 1980, Harrison regrabó la canción con la ayuda de McCartney y Starr a modo de homenaje a Lennon y la publicó como el primer sencillo de Somewhere in England.

A finales de noviembre, Ringo visitó a John Lennon en Nueva York para que participase en la grabación de Stop and Smell the Roses. Tras su reaparición con la publicación del álbum Double Fantasy, Lennon ofreció a Starr dos demos, «Nobody Told Me» y «Life Begins at 40», y fijaron el 14 de enero de 1981 como fecha para grabar las canciones. No obstante, el evento se vio truncado el 8 de diciembre cuando Lennon fue asesinado por Mark David Chapman a las puertas del edificio Dakota. Devastado por la situación, Ringo no tuvo valor para grabar las canciones de Lennon y las devolvió a su viuda, Yōko Ono. «Nobody Told Me» fue publicada en el álbum póstumo Milk and Honey, mientras que «Life Begins at 40» apareció en el box set John Lennon Anthology en 1998.

A comienzos de diciembre, Ringo se desplazó a los Compass Point Studios de Los Ángeles para grabar con Harry Nilsson dos nuevas canciones, «Drumming Is My Madness» y «Stop and Take the Time to Smell The Roses», así como una nueva versión de «Back Off Boogaloo», que contó con la introducción de la canción «It Don't Come Easy». Con la muerte de Lennon, Ringo detuvo la grabación de Stop and Smell the Roses y retomó su actividad en los Cherokee Studios el 20 de enero para completar el álbum y añadir sobregrabaciones.

Con el título provisional de Can't Fight Lightning, el álbum fue rechazado por Portrait Records. Tras una disputa con CBS, distribuidora de Portrait en el mercado estadounidense, Ringo abandonó el sello y comenzó a negociar con nuevas distribuidoras hasta que firmó con RCA Records, que publicó el álbum con el nombre de Stop and Smell the Roses y con un nuevo diseño de portada.

A pesar de obtener reseñas en la misma línea que sus anteriores trabajos, Stop and Smell the Roses alcanzó el puesto 98 en la lista estadounidense Billboard 200 y se convirtió en el mayor éxito comercial de Ringo desde la publicación en 1974 de Goodnight Vienna. Además, «Wrack My Brain», el primer sencillo promocional del álbum, alcanzó el puesto 38 de la lista Billboard Hot 100, consiguiendo su último gran éxito en los Estados Unidos. A comienzos de 1982, «Private Property» fue publicado como segundo sencillo, pero no entró en ninguna lista de éxitos.

La escasa repercusión comercial y mediática de Ringo iniciada la década de 1980, sumada a crecientes problemas de alcoholismo, llevaron a RCA Records a finiquitar su contrato a mediados de 1982, colocando a Ringo en una situación inestable al no tener ninguna compañía discográfica interesada en ficharlo.

En 1994, Stop and Smell the Roses fue publicado por primera vez en CD por Capitol Records con cinco temas extra: «Wake Up» y «Red and Black Blues», producidas por Stephen Stills; «Brandy», grabada con Ron Wood; una versión original de «Stop and Take the Time to Smell the Roses»; y «You Can't Fight Lightning», compuesta por Ringo y producida por Paul McCartney.

Red Rose Speedway

Red Rose Speedway es el segundo álbum de estudio del grupo británico Wings, publicado por la compañía discográfica Apple Records en mayo de 1973. Tras el escaso éxito comercial de Wild Life, el álbum debut de Wings, Red Rose Speedway supuso un mayor éxito en la carrera de McCartney y alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200. Tras su publicación fue certificado por la RIAA como disco de oro al superar el medio millón de copias vendidas.

A comienzos de 1972, McCartney decidió aumentar su nuevo grupo, Wings, añadiendo un nuevo guitarrista, Henry McCullough, y salió por primera vez de gira tras la separación de The Beatles. El grupo pasó varios meses en la carretera, primero con pequeños conciertos en universidades británicas y posteriormente con una gira europea en estadios durante el verano de 1972. Ambas giras fueron compaginadas por una larga lista de sesiones de estudio para grabar Red Rose Speedway, que comenzaron en marzo en Los Ángeles y terminaron en octubre en Londres.

Las largas sesiones de grabación hicieron que 1972 se convirtiese en el primer año en que McCartney no publicó un álbum de estudio. Aun así, Wings publicó tres sencillos: «Give Ireland Back to the Irish», «Hi Hi Hi» y «Mary Had A Little Lamb». Las dos primeras canciones fueron censuradas por la BBC: la primera por motivos políticos, al criticar la actuación policial durante el Domingo Sangriento, y la segunda por supuestas referencias sexuales. Al igual que durante su carrera en The Beatles, McCartney no incluyó los sencillos en el futuro álbum.

Red Rose Speedway se planeó inicialmente como un álbum doble, y McCartney decidió incluir en un primer momento canciones inéditas grabadas durante las sesiones de grabación de Ram, previas a la formación de Wings. Sin embargo, solo dos de las canciones, «Get On the Right Thing» y «Little Lamb Dragonfly», vieron la luz en el álbum, que se publicó finalmente como un álbum simple en marzo de 1973. La configuración original del álbum tomó forma a través de grabaciones en acetato, fechadas en diciembre de 1972 y que incluían 17 canciones, entre las que figuraban: «Tragedy», «I Would Only Smile», «Country Dreamer», «I Lie Around», «Night Out», «Jazz Street» y dos versiones en directo de «1882» y «The Mess I'm In».

Con la excepción de «Tragedy», «Night Out» y «Jazz Street», el resto de canciones descartadas fueron publicadas a lo largo de los años: por ejemplo, «Country Dreamer» fue publicado como cara B del sencillo «Helen Wheels», mientras que «I Would Only Smile» vio la luz en el álbum de Denny Laine Japanese Tears, y «I Lie Around» y «The Mess» fueron publicados como bonus tracks en la reedición de Red Rose Speedway en 1993.

Otras canciones grabadas durante las sesiones de Red Rose Speedway fueron «Seaside Woman», cantada por Linda McCartney y publicada en el álbum póstumo Wide Prairie; «Soily», que vio la luz en el álbum de 1976 Wings Over America; «Henry's Blues», cantada por Henry McCullough e interpretada en directo durante la gira de 1972; y «Best Friend» y «Thank You Darling», aún inéditas. También se grabó «Live and Let Die», posteriormente publicada en la banda sonora de la película de James Bond Vive y deja morir.

En marzo de 1973 se publicó «My Love», el primer sencillo del álbum, que alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y entró en el Top 10 de las listas británicas. El éxito del sencillo elevó las expectativas del álbum. Publicado un mes después, Red Rose Speedway alcanzó el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200 y entró en el puesto 5 de las listas británicas.

Red Rose Speedway incluye un libreto de 12 páginas grapado en el interior del disco, publicado en formato gatefold y que incluye fotografías tomadas durante las dos primeras giras de Wings. El diseño de la portada, que incluye una fotografía del motor de una moto Harley-Davidson, está acreditado a Eduardo Paolozzi, mientras que la contraportada contiene un mensaje en braille dirigido a Stevie Wonder que dice: «We love ya, baby» (lo cual puede traducirse al español como: «Te queremos, hijo».

En 1993, Red Rose Speedway fue remasterizado y reeditado en formato CD como parte de la serie The Paul McCartney Collection con cuatro temas extra: el sencillo «Hi Hi Hi», la cara B «C Moon», una versión en directo de «The Mess» y la cara B de «Live and Let Die», «I Lie Around».

Cloud Nine

        Cloud Nine es un álbum de estudio de George Harrison grabado y publicado en 1987 tras cinco años alejado de su carrera musical. Con el éxito del single "Got My Mind Set On You", Cloud Nine supone el regreso de Harrison como artista aclamado por la crítica y capaz de producir buenos discos. Asimismo, supone su último álbum de estudio publicado en vida.

Tras la publicación de Gone Troppo en 1982 y el aumento de la frustración de George por no ubicarse en el actual panorama musical, decidió dejar de lado su carrera musical para centrarse en otros intereses, principalmente como productor de películas para su propia compañía, Handmade Films.

A finales de 1986, después de un sustancial alejamiento de la música, Harrison decidió volver a grabar un álbum. En un intento por sacar un sonido más contemporáneo, a la par que de acuerdo son sus orígenes musicales, solicitó al líder de Electric Light Orchestra Jeff Lynne para que produjera el álbum. Tras haber compuesto suficiente material para un disco, Harrison entró de nuevo en el estudio de grabación de Friar Park el 5 de enero de 1987, dando comienzo al primer álbum de estudio en cinco años. En la portada se le puede ver con su antigua Gretsch Duo Jet restaurada para la ocasión y que estaba guardada desde los comienzos de los Beatles.

Junto a Jeff Lynne y George Harrison, compañeros de gremio y amigos de la talla de Jim Keltner, Ringo Starr, Eric Clapton, Gary Wright y Elton John se unieron a la grabación, demostrando que tras una ruptura con el mundo de la música que, según palabras de Harrison, realmente necesitaba, se volvía a sentir estimulado y actualizado: por primera vez, en cinco años, 'quería' grabar un álbum sin sentirse presionado por contratos o sellos discográficos. Su entusiasmo tendría un resultado importante en la calidad de la música de Cloud Nine.

Parte de la estrategia llevada a cabo por Harrison para su vuelta era dejarse ver de nuevo en los escenarios. Para ello, apareció junto a Ringo Starr en el Prince's Trust Concert interpretando "While My Guitar Gently Weeps". En octubre, la versión del tema de Rudy Clark "Got My Mind Set On You", que Harrison intentó grabar con The Beatles en la primera época del grupo, fue publicado como single, sentando uno de los mayores éxitos de Harrison al alcanzar el puesto #1 en las listas de éxitos estadounidenses y el #2 en las británicas. Pocas semanas después, Cloud Nine era publicado con cierta anticipación y fue prontamente laureado por los críticos musicales y definido como su mejor trabajo desde All Things Must Pass, alcanzando el puesto #10 en el Reino Unido y el #8 en Estados Unidos, donde fue acreditado como disco de platino. Su tributo a The Beatles "When We Was Fab", publicado posteriormente como single, supuso otro éxito, alcanzando el Top 30 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.

Si bien el éxito de Cloud Nine no fue el suficiente para incitar a Harrison a iniciar una gira, sí decidió embarcarse en nuevos proyectos musicales. En la primavera de 1988, junto a Jeff Lynne, llamaría a Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison para grabar la canción "Handle with Care" que acabaría derivando en el grupo The Traveling Wilburys y una gira por Japon con Eric Clapton y su grupo donde se aprecia que si bien su voz no tenía la fuerza de antaño, su guitarra slide era soberbia.

En 2004, Cloud Nine fue remasterizado y reeditado tanto por separado como junto a la caja The Dark Horse Years 1976-1992, bajo el sello Dark Horse Records y distribuido por EMI, con "Shanghai Surprise", tema de la película Shanghai Surprise, y "Zig Zag", previamente publicado como cara B del single "When We Was Fab", como temas adicionales.