domingo, 27 de diciembre de 2020
martes, 15 de diciembre de 2020
Cuando Harrison agradeció a su ídolo Carl Perkins
Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session fue un concierto televisado que fue grabado en directo en Limehouse Studios en Londres, Inglaterra el 21 de octubre de 1985. El programa contó con el pionero del rock n' roll Carl Perkins junto con amigos como estrellas invitadas, incluyendo Eric Clapton, el ex Beatles George Harrison y Ringo Starr, así como Dave Edmunds que actuó como director musical para el espectáculo.
La mayor parte del repertorio interpretado en el concierto consistía en canciones rockabilly clásicas de Perkins de la década de 1950. Fue dirigida por Tom Gutteridge. El especial del concierto fue transmitido originalmente en 1985 por Channel 4 en el Reino Unido y en Cinemax en 1986 con comentarios introductorios de Johnny Cash, Roy Orbison y Jerry Lee Lewis. El espectáculo fue mostrado en el Canal 4 el 1 de enero de 1986. Perkins interpretó 16 canciones, con dos encores, en una actuación extraordinaria. Perkins y sus amigos terminaron la sesión cantando su canción más famosa, 30 años después de su escritura, que llevó a Perkins a llorar. El concierto es un punto culminante memorable de la carrera posterior de Carl Perkins y ha sido muy elogiado por los fans por las animadas actuaciones de Perkins y sus famosos invitados. Fue la primera actuación pública de George Harrison en más de diez años. Una versión editada del programa está disponible para su visualización en YouTube.
Bibliografía
Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session . Visto el 11 de junio de 2020, en https://en.wikipedia.org/wiki/Blue_Suede_Shoes:_A_Rockabilly_Session.
Rockabilly star Carl Perkins' son looks back on his father's career .... Visto el 11 de junio de 2020, en https://www.beatlesattheridge.com/media/rockabilly-star-carl-perkins-son-looks-back-fathers-career/.
martes, 8 de diciembre de 2020
La última morada de John Lennon
El edificio Dakota es un edificio de apartamentos histórico ubicado en la esquina noroeste de la Calle 72 y el Central Park West en la ciudad de Nueva York en Manhattan. Fue construido entre el 25 de octubre de 1880 y el 27 de octubre de 1884.
Edificio Dakota
1 W 72nd St, New York, NY 10023, Estados Unidos
+1 212-362-1448
https://goo.gl/maps/EdUKRpysDQeQBBUp6
La firma de arquitectos de Henry Janeway Hardenbergh fue contratada para realizar el diseño para Edward Clark, director de la Singer Sewing Machine Company. Esta firma también diseñó el Hotel Plaza.
Los altos gabletes y los profundos tejados con ventanas, los paneles y enjutas de terracota, los nichos, los balcones y las balaustradas dan al edificio una apariencia de estilo renacentista alemán. Sin embargo su estructura y su planta reflejan una fuerte influencia de la arquitectura francesa en el diseño de casas que se empezó a conocer en Nueva York en la década de 1870. De acuerdo con la cultura popular, al Dakota se llamó así debido a que en la época en la que se construyó el Upper West Side de Manhattan estaba tan poco habitado y se consideraba tan remoto como el Territorio Dakota. Sin embargo, los primeros registros de este nombre se encuentran en una historia de un periódico de 1933. El nombre de Dakota se puso al edificio debido más bien al gusto que su fundador, Clark, tenía por los estados y territorios de nuevo Oeste. Encima de la entrada de la calle 72, hay una figura de un indio dakota. El edificio Dakota fue añadido al Registro Nacional de Lugares Históricos en 1972, y fue declarado Lugar Nacional de Interés Histórico en 1976.
El Dakota está construido en una manzana cuadrada alrededor de un patio central, accesible a través de una arcada desde la entrada principal, donde hay una puerta de carruajes lo suficientemente grande para que pudieran pasar los coches de caballos, permitiendo a los pasajeros apearse mientras se resguardaban de las inclemencias del tiempo. Desde los establos del Dakota de la calle 72 y desde los de Amsterdam Street unos ascensores subían los carruajes a las plantas superiores. El establo del Dakota siguió en funcionamiento como garaje hasta febrero de 2007.
La disposición general de los apartamentos sigue el estilo francés de la época, con todas las habitaciones principales conectadas unas con otras a la manera tradicional, pero siendo también accesibles desde un pasillo, una disposición que permitía un paso natural para los invitados desde una habitación a otra, especialmente en ocasiones festivas, y además permitía al servicio doméstico circular de manera separada para realizar su trabajo y acceder a las habitaciones principales. Estas, como las salas de estar y el dormitorio principal, están en la parte de la calle, mientras que el comedor, la cocina, y otras salas auxiliares están orientadas hacia el interior del patio central del edificio. Los apartamentos tienen ventanas a ambos lados, lo que fue una novedad en el Nueva York de esa época. Algunas salas de estar tienen 15 metros de largo, y la mayoría de los techos tienen 4,3 m de altura; los suelos están entarimados con roble, cerezo y caoba.
Originalmente, el Dakota tenía 65 apartamentos de 4 a 20 habitaciones, ninguno igual a otro. A estos apartamentos se accedía por escaleras y ascensores situados en las esquinas del edificio. En el centro del edificio hay escaleras y ascensores para el servicio doméstico. El Dakota tiene muchas instalaciones e infraestructuras excepcionales para la época de su construcción. El edificio tiene un gran comedor; las comidas pueden ser enviadas a los apartamentos por ascensores especiales. La electricidad era generada por una pequeña estación eléctrica, y tiene calefacción central. Además de las habitaciones del servicio, en la buhardilla había una zona de juegos y un gimnasio. El Dakota también tenía un jardín, un campo de croquet privado y una pista de tenis, todo ello detrás del edificio, entre las calles 72 y 73.
El edificio pasó a hacerse famoso a nivel mundial cuando en sus puertas fue asesinado John Lennon, músico exintegrante de The Beatles.
Bibliografía
Birmingham, S. (2015). Life at the Dakota. Open Road Media. https://doi.org/9781504026314
Cardinal, S. (2015). A Grand Tour of the Dakota Apartments. https://doi.org/0692553932
miércoles, 2 de diciembre de 2020
El ratón con acento liverpooliano
Scouse (nombre que hace referencia al acento de los habitantes de Liverpool) the Mouse es un álbum de estudio del músico británico Ringo Starr, publicado por la compañía discográfica Polydor Records en diciembre de 1977.
El álbum, escrito y dirigido por Donald Pleasence con canciones compuestas en su mayoría por Roger Brown, incluye canciones infantiles cantadas por varios cantantes, entre los que figuran Ringo Starr, Barbara Dickson, Ben Chatterly y Adam Faith, entre otros. Ringo figura como el personaje principal del álbum, «Scouse the Mouse», que emigra desde Liverpool hasta los Estados Unidos. Otros personajes incluyen «Bounce the Mouse» y «Molly Jolly». Las canciones cantadas por Starr fueron grabadas en julio de 1977 en los Berwick Street Studios bajo la producción musical de Hugh Murphy.Una versión animada para televisión fue planeada para emitirse en ITV, pero fue finalmente cancelada debido a una huelga y archivada. El álbum, que supuso el tercer y último trabajo publicado bajo el contrato firmado con Polydor Records, no fue publicado en Estados Unidos, y a fecha de 2016, no ha sido reeditado tampoco en disco compacto. Siendo por lo tanto bien difícil de conseguir.
Bibliografía
Person. (2019, March 26). Ringo Starr and Others – Scouse the Mouse 1977 UK LP. Retrieved from https://www.rarerecords.net/store/ringo-starr-and-others-scouse-the-mouse-1977-uk-lp/.
Scouse the Mouse. (2018, November 4). Retrieved from https://en.wikipedia.org/wiki/Scouse_the_Mouse.
Scouse the Mouse by Various Artists (Album): Reviews ... (n.d.). Retrieved from https://rateyourmusic.com/release/album/various-artists/scouse-the-mouse/.
martes, 24 de noviembre de 2020
jueves, 19 de noviembre de 2020
Hablemos de Eleanor
Eleanor Rigby» es una canción del grupo musical The Beatles lanzada simultaneámente en el álbum Revolver y como sencillo doble lado-A. La canción fue escrita principalmente por Paul McCartney con ayuda de John Lennon y acreditada a Lennon/McCartney. Con un doble cuarteto de cuerdas orquestado por George Martin y la llamativa letra sobre la soledad, la canción hizo continuar la transformación del grupo, principalmente en el rock y el pop haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental. Rolling Stone la puso en el puesto número 137 de su listado de las 500 mejores canciones de la historia.
McCartney siempre sostuvo que el nombre "Eleanor" lo tomó de la actriz Eleanor Bron y el apellido "Rigby" era una tienda de abastos ubicada en la ciudad de Bristol. Pero durante la época de los 80, alguien encontró una tumba en el patio de la iglesia St. Peter, cuyo epitafio tenía grabado el nombre de Eleanor Rigby.En la avenida Stanley Street, Liverpool, se encuentra la estatua de una mujer sentada en un banco, diseñada por Tommy Steele y con la leyenda "Dedicated to All the Lonely People".
La canción fue grabada entre los días 28 y 29 de abril, y el 6 de junio de 1966, en los estudios 2 y 3 de EMI Studios, con Paul McCartney como voz principal y John Lennon y George Harrison haciendo los coros. Los demás músicos que participaron en la grabación de este tema son: Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess en los violines; Stephen Shingles y John Underwood en las violas, y Derek Simpson y Norman Jones en los violonchelos.En 2008, se subastó un documento acerca de Rigby. El manuscrito es un registro salarial del hospital de la ciudad de Liverpool y presenta el nombre y la firma de E. Rigby, una asistente de cocina que había firmado por su pago mensual. Sus ganancias anuales sumaban 14 libras. Este documento estaba en poder de Paul McCartney hasta que fue donado para una fundación de ayuda a las personas con discapacidad.La canción nunca fue interpretada en directo por el grupo, ya que a mediados de 1966 dejaron de hacer giras. Es por este motivo que ninguna canción del álbum Revolver fue tocada en vivo por el grupo.
No obstante, con posterioridad, Paul McCartney sí la ha interpretado en sus giras en solitario.
La banda Vanilla Fudge realizó una versión psicodélica de ocho minutos, que incluyeron en su álbum debut homónimo.
El músico Ray Charles realizó una versión de la canción en el año 1968.
En 1970 el pianista de jazz Mal Waldron, en su álbum "Spanish Bitch", hizo una versión instrumental del tema.
La banda chilena Quilapayún realizó una versión andina de esta canción, que fue incluida en los álbumes oficiales de la banda Survarío de 1987 y Quilapayún ¡en Chile! de 1989.En 1988, la banda estadounidense de thrash metal Realm incluyó una versión de este tema en su disco Endless War.En el 2001, la banda estadounidense de Rock Industrial Godhead realizó una versión de este tema para el disco 2000 Years of Human Error.
En 2002, O'Connor realizó una versión en el disco Dolorización. También en este año la banda sueca de metal industrial Pain lanzó su versión en el disco Nothing Remains The Same.
En 2005, Thrice incluyó una versión de la canción en su álbum If We Could Only See Us Now.En 2008, la banda argentina Eruca Sativa hace una versión de rock alternativo de esta canción en su disco La Carne.En el 2009, el conocido violinista de origen estadounidense Joshua Bell y el cantante Frankie Moreno realizaron una versión de esta canción para violín y piano esta fue interpretada por el mismo Moreno, y fue incluida en el álbum "At Home With Friends" de Bell.
Bibliografía
Harry, Bill. The Beatles — Encyclopedia. Revised and updated. Londres: Virgin. p. 1198. ISBN 0 7535 0481 2.
Lewisohn, Mark. The Beatles Recording Sessions. New York: Harmony Books. ISBN 0-517-57066-1.
MacDonald, Ian. Revolution in the Head: The Beatles' Records and the Sixties. London: Pimlico. ISBN 1-844-13828-3.
Miles, Barry. Paul McCartney: Many Years From Now. New York: Henry Holt & Company. ISBN 0-8050-5249-6.
Portal:The Beatles. Contenido relacionado con The Beatles.
lunes, 9 de noviembre de 2020
sábado, 7 de noviembre de 2020
jueves, 5 de noviembre de 2020
¿Beatles más famosos que Jesús en Mexico?
Cuando John Lennon dijo hace unas décadas ya que el cristianismo moriria y que su legado musical prevalecería por siempre, en ese momento no se pensó si era un profeta o un mitómano más.
Pero, vamos a analizar por medio de la benditas redes en que categoría quedó el escarabajo líder.
Bien es sabido que Mexico (después de Japón) es uno de los más fieles admiradores de el cuarteto de Liverpool así que podemos tomarlo como referente de lo que realmente ha sucedido entre Jesus y los Beatles al paso del tiempo, para lo cual tomaremos un periodo del mismo reciente desde el año 2004 a la fecha, con estadísticas verificadas en búsquedas de Google al 6 de junio de 2020.
Y así es como nos encontramos con esto:
En una calificación del 1 al 10 solo hay dos fechas donde Jesus y Los Beatles estuvieron cerca, pero estos últimos no pudieron vencerle.
El 1de Enero 2004 Jesus obtuvo 10 en popularidad y los Beatles 9.6.
El 1 de Enero 2005 Jesús 9.4 contra 8.4 del cuarteto.
El 1 de Enero 2006 escarabajos 6.7 contra 8.3 de Jesús.
El 1 de Enero 2007 Jesús tuvo un 7.7 contra 6.2 de los de Liverpool.
El 1 de Enero 2008 Lennon y compañía 7.1 contra 7.8 de Jesús.
El 1 de Enero de 2009 los Beatles tuvieron 8.1 de popularidad contra 8.3 de Jesús.
A partir de ahí comienza la debacle de los escarabajos hasta llegar a 2.1 de popularidad en la red contra Jesus que está en un 9.5 en la actualidad.
Ni en los estados más Beatleros pudieron vencer a Jesús donde el pastel se distribuyó de la siguiente manera:
México, 58% Jesús, 48% Beatles;
Estado de México, 64% Jesús, 36% Beatles;
Puebla, 67% Jesús, 33% Beatles
y Tlaxcala, 67% Jesús y 33% Beatles.
Por ciudad más fanatica, los originarios de Liverpool también se fueron la lona:
Coacalco, 55% Jesús, 45% Beatles;
Naucalpan, 57% Jesús, 43% Beatles;
CDMX, 59% Jesús, 41% Beatles
y Tlaxcala 60% Jesús y 40% Beatles.
Tenemos entonces un vencedor, que aunque nos duela admitirlo, tiene un mensaje más poderoso del que pudo haber tenido nuestro querido John Lennon.
martes, 27 de octubre de 2020
Creyendo en el ayer
Yesterday» es una canción compuesta por Paul McCartney, cuya versión original fue grabada en 1965 para el álbum Help! de la agrupación británica The Beatles. Dicha versión es una balada melancólica de dos minutos y tres segundos que supuso la primera composición oficial de The Beatles donde un solo integrante de la banda grababa un tema: Paul McCartney, que fue acompañado por un cuarteto de cuerdas. La composición se diferencia de los trabajos anteriores del grupo, por lo que el resto de los integrantes no aceptaron que se editara como sencillo en el Reino Unido.
Según el Libro Guinness de los récords es una de las canciones más versionadas en la historia de la música popular hasta 2017, La Broadcast Music, Inc. afirma que en el siglo XX, fue interpretada cerca de siete millones de veces. Además, a pesar de que los datos de las discográficas y las editoriales musicales son dispares, el Guiness es tajante: ‘Yesterday’ es la canción más rentable de todos los tiempos ya que hasta 2015 había aportado a McCartney 490 millones de euros.En 2002, McCartney preguntó a Yoko Ono si podía invertir los créditos de la composición, de tal manera que se leyera "McCartney/Lennon". Ono se negó.De acuerdo con los biógrafos de McCartney y The Beatles, McCartney compuso la melodía completa en un sueño que tuvo en la casa de su novia Jane Asher y su familia en Londres, en la calle Wimpole. Al despertarse, fue al piano, puso en funcionamiento una grabadora de cintas y la tocó, para no olvidarla junto con su sueño.Después de convencerse de que no había tomado la melodía de otra composición, McCartney empezó a hacerse cargo de la letra que la acompañaría. Tenía el título "Scrambled Eggs", mientras encontraba la letra y un título más adecuado.Durante el rodaje de la película Help, se colocó un piano en uno de los estudios en donde se filmaba. McCartney aprovechó para cantar "Scrambled Eggs" acompañándose con el piano. Richard Lester, el director de la película, se irritó mucho al oírla por lo que le dijo a McCartney que terminara de escribir la canción o se llevaría el piano. La paciencia de los otros Beatles también llegó al límite por el empeño que ponía McCartney para progresar en la canción, George Harrison dijo al respecto: "¡Caray, él siempre estaba hablando sobre esta canción. Se podría pensar que era Beethoven o alguien parecido!McCartney afirmó haber compuesto «Yesterday» durante los conciertos de The Beatles en Francia en 1964; sin embargo, la canción no fue lanzada hasta el verano de 1965. Durante ese lapso el grupo publicó dos discos, A Hard Day's Night y Beatles for Sale, por lo que en cualquiera de ellos pudo haberse incluido la canción «Yesterday». Aunque McCartney no ha comentado nunca lo que pasó, es probable que la razón de este largo retraso pudiera haber sido un hipotético desacuerdo entre McCartney y George Martin respecto al arreglo de la canción, o pudo deberse al rechazo de los otros miembros del grupo.El 27 de mayo de 1965, McCartney y Asher viajaron a Lisboa para pasar unas vacaciones en Albufeira, Algarve, y fue ahí donde McCartney terminó de escribir la letra de la canción. Ambos se hospedaban en la casa de Bruce Welch, y McCartney tomó prestada una de sus guitarras acústicas, para así completar el trabajo de «Yesterday».En 1980 Lennon explicó que a menudo se le daba erróneamente el mérito de haber escrito la canción.
McCartney sólo toca una guitarra sajona acompañado por un cuarteto de cuerdas. En uno de los primeros usos de The Beatles de los músicos de sesión, «Yesterday» cuenta con dos secciones contrastantes, que difieren en la melodía y el ritmo, produciendo una sensación de separación.La primera sección abre con un acorde en Fa mayor, cambia a Mi menor, siguiendo con un La mayor y finalizar en Re menor. En este sentido, el acorde de apertura es un cimbel, como el musicólogo Alan Pollack señala, la tonalidad de inicio tiene poco tiempo para establecerse antes de que "tome dirección hacia Re menor". Señala que esta desviación es un recurso de composición utilizado por Lennon y McCartney, que él describe como "gratificación diferida".La segunda sección es, según Pollack, menos sorprendente de lo que parece en el papel del sonido. Comenzando con Mi menor, la progresión armónica se mueve rápido a través de La mayor, Re menor, y Si bemol, antes de volver a Fa mayor, y al final de este, McCartney se mantiene en Fa mientras que las cuerdas descienden para restablecer la tonalidad introductoria de la primera sección, antes de una breve frase de cierre tarareada.Pollack dijo que la orquestación era "realmente una inspiración", la mencionó como un ejemplo del "talento para crear híbridos estilísticos"; en particular, elogia "la irónica tensión entre el contenido sensiblero de lo que el cuarteto interpreta y la naturaleza austera y contenida del medio en el que se interpreta".
La clave tónica de la canción es Fa mayor, posteriormente la canción cambia en la tonalidad de Re menor. La progresión armónica en II-V7 conduce toda la canción, dándole un aura melancólico. El acorde La séptima es un ejemplo de un dominante secundario, específicamente en el acorde VV, pero en lugar de resolverlo espera a la cuerda, como en el verso La séptima, en su lugar, McCartney sigue con el acorde IV, Si bemol mayor. Este movimiento crea una línea cromática descendente de Do, Si, Si bemol y La para acompañar al título de la canción.
Los arreglos de cuerdas en la canción dan una aire de tristeza, especialmente en la melodía del violonchelo gimiendo en nota de blues que conecta las dos mitades del puente así como la línea descendente de la viola que sigue al coro en los versos. Esta idea sencilla es sorprendente, McCartney imita esto con su voz en la segunda parte del coro. Esta línea de la viola y el violín en La en los versos finales son los únicos arreglos de cuerda que McCartney atribuye a George Martin.
La canción fue grabada en los estudios de grabación de EMI el 14 de junio de 1965. Hay versiones contradictorias sobre cómo fue esa grabación; la más citada es que McCartney grabó la canción sin la participación de los otros miembros del grupo.Otras fuentes afirman que en un principio McCartney y los Beatles probaron una gran variedad de instrumentos, incluyendo la batería y un órgano, y que más tarde George Martin los convenció para que McCartney solo tocara una guitarra sajona, e incluir un cuarteto de cuerdas para acompañar a McCartney. De todos modos, ninguno de los otros miembros fue incluido en la grabación final. Sin embargo, la canción fue tocada con los demás miembros de la banda en sus conciertos de 1966.
McCartney hizo dos tomas de «Yesterday», el 14 de junio de 1965. La toma dos se consideró la mejor y fue utilizada para la masterización final. Un cuarteto de cuerdas fue añadido en la toma dos y esta versión de la canción fue la publicada. La toma uno, que no contiene ninguna mezcla, más tarde fue lanzada en el álbum recopilatorio Anthology 2. En la toma dos se incorporaron dos líneas más que en la primera toma: "There's a shadow hanging over me"/"I'm not half the man I used to be".Aunque McCartney había quedado fascinado con la canción, no pudo convencer a los demás integrantes de la banda para que pudiera aparecer en un álbum, ya que la canción no correspondía con su imagen, considerando que tenía muy poco parecido con las demás canciones del grupo en ese momento. Este parecer fue tan fuerte que Lennon, Harrison y Starr no permitieron que «Yesterday» se publicara como sencillo en el Reino Unido. Esto no evitó que Matt Monro hiciera una versión del tema, siendo este el primero de muchas otras versiones de «Yesterday», las cuales se harían tiempo más tarde. La versión de Monro apareció entre los diez primeros lugares en las listas inglesas, poco después de su lanzamiento en el otoño de 1965.La influencia de The Beatles sobre su sello discográfico en Estados Unidos, Capitol, no fue tan fuerte como con la británica de EMI, Parlophone. Un sencillo fue lanzado en los EE. UU. el cual incluía a «Yesterday» y «Act Naturally», un tema que contaba con Starr en la voz principal. El sencillo fue lanzado el 29 de septiembre de 1965, y encabezó las listas durante todo un mes, comenzando el 9 de octubre. La canción permaneció durante un total de 11 semanas en las listas estadounidenses, vendió un millón de copias en cinco semanas.Yesterday» fue la más tocada en la radio americana durante ocho años consecutivos, por lo que su popularidad era innegable.El 4 de marzo de 1966, la canción «Yesterday» fue lanzada como un EP en el Reino Unido, junto con "Act Naturally" en el lado A y "You Like Me Too Much" y "It's Only Love" en el lado B. Hacia el 12 de marzo, el EP había hecho su aparición en las listas. El 26 de marzo de 1966, el EP llegó al número uno, posición en la que permaneció durante dos meses. Más tarde ese año, «Yesterday» fue incluida en el álbum de lanzamiento estadounidense Yesterday and Today.
El 8 de marzo de 1976, fue lanzada por Parlophone como un sencillo en el Reino Unido, con "I Should Have Known Better" en el lado B. Apareció en las listas de éxitos el 13 de marzo y permaneció durante siete semanas, pero no alcanzó un número superior al 8. El lanzamiento fue producto de la expiración del contrato de The Beatles con EMI, sello discográfico al que pertenecía Parlophone.
Yesterday» ganó el Premio Ivor Novello por 'Mejor Canción de 1965', y ocupó el segundo lugar por 'El trabajo con más actuaciones del año', perdiendo contra otra composición de McCartney, «Michelle». La canción ha recibido una justa aclamación en los últimos tiempos. Así, ocupa el puesto número 13 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. En 1999, la Broadcast Music Incorporated colocó a «Yesterday» en la tercera posición en su lista de las canciones más interpretadas del siglo XX en radio y televisión, con aproximadamente siete millones de actuaciones.Yesterday» fue superada sólo por "Never My Love" de The Association y "You've Lost That Lovin' Feelin'" de Righteous Brothers. En 1999, «Yesterday» fue elegida como la mejor canción del siglo XX en una encuesta realizada por la BBC Radio.Yesterday», sin embargo, también ha sido criticada por ser mundana y empalagosa. Bob Dylan tuvo una marcada aversión por la canción, afirmando que "si usted entra en la Biblioteca del Congreso, puede encontrar algo mucho mejor que eso. Hay millones de canciones como 'Yesterday' y 'Michelle' escritas en Tin Pan Alley'". Irónicamente, en última instancia, Dylan grabó su propia versión de «Yesterday» cuatro años más tarde, pero esta versión nunca fue publicada.Los Beatles tocaron «Yesterday» por primera vez en directo el 1 de agosto de 1965 en el ABC Theatre de Blackpool en el marco del European Tour 1965. Se mantuvo en el repertorio hasta el concierto en Candlestick Park, San Francisco, el 29 de agosto de 1966, último de la historia del grupo, ya que ese año decidieron dejar de hacer giras musicales.
Posteriormente, Paul McCartney, tanto con los Wings como en solitario, ha seguido tocando la canción en sus conciertos hasta la actualidad.
La información respecto a los reconocimientos atribuidos a «Yesterday» está adaptada de AcclaimedMusic. lista designada sin un orden establecido.
Yesterday» ha sido reconocida como una de las canciones con más grabaciones en la historia de la música popular según el Libro Guinness de los récords, por una ecléctica mezcla de artistas como Marianne Faithfull, The Mamas and the Papas y Barry McGuire, The Seekers, Joan Baez, John Denver, Luis Miguel, Michael Bolton, Bob Dylan,Tom Jones,Liberace, Frank Sinatra, Elvis Presley, Ray Charles, Marvin Gaye, Daffy Duck, Jan & Dean, Wet Wet Wet, Plácido Domingo, The Head Shop, Billy Dean, En Vogue, Muslim Magomayev y Boyz II Men. En 1976, David Essex hizo una versión de la canción para el documental musical All This and World War II. En los premios Grammy de 2006, McCartney tocó la canción en vivo como un mashup con la canción de Linkin Park y Jay-Z "Numb/Encore".
También Marianne Faithfull interpretó la canción en su sencillo publicado en 1965 y recogido en su álbum Love in a Mist.En 2001, Ian Hammond especuló que McCartney pudo haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de "Georgia On My Mind", pero cerró su artículo diciendo que a pesar de las similitudes con «Yesterday» es "completamente original e individual ".En julio de 2003, musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de «Yesterday» y la canción "Answer Me, My Love" de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción. Publicistas de McCartney negaron cualquier parecido entre «Answer Me» y «Yesterday».En 2006, el productor y escritor italiano Lilli Greco aseguró que «Yesterday» es una versión de la canción napolitana del siglo XIX llamada "Piccerè Che Vene a Dicere". Sin embargo, tras las investigaciones se concluyó que la canción no tiene ninguna similitud.También se puso en evidencia por parte de un estudioso mexicano de la música, Jorge Seymour Perkins, de que la célebre canción de McCartney tenía varias coincidencias con el bolero mexicano «Bésame mucho», de Consuelo Velázquez, en lo que parece ser un genial caso de «imitación creativa inconsciente». Seymour había detectado una exagerada serie de coincidencias fonéticas y estructurales entre ambos temas. Según él, toda la estructura de «Yesterday» seguía la del bolero mexicano. Entre «Yesterday» y «Bésame mucho» había en total 153 coincidencias fonéticas. Además, ambas canciones tenían una estructura idéntica de 12 renglones y de cuatro segmentos por renglón en los que los cambios armónicos se daban en paralelo, provocando la clara impresión de que McCartney había utilizado el bolero de Velázquez como un patrón sobre el que había calcado el esquema de «Yesterday».Bésame mucho» ya había entrado a principios de los años sesenta en el repertorio musical en directo de los Beatles. Fue una de las 14 canciones grabadas durante la audición para la casa discográfica Decca en enero de 1962, volviéndola a interpretar para EMI en junio de ese mismo año. La grabación para EMI apareció finalmente en el recopilatorio Anthology 1.
Bibliografía
The Beatles. The Beatles Anthology. San Francisco: Chronicle Books. ISBN 0-8118-2684-8.
Coleman, Ray. Yesterday & Today. London: Boxtree Limited. ISBN 0-7522-1669-4.Cross,
Craig. The Beatles: Day-by-Day, Song-by-Song, Record-by-Record. Lincoln, NE: iUniverse, Inc. ISBN 0-595-34663-4.
Everett, Walter. The Beatles as Musicians: Revolver through the Anthology. Oxford University Press, USA. ISBN 9780195129410.
Harry, Bill. The Beatles — Encyclopedia. Revised and updated. Londres: Virgin. p. 1198. ISBN 0 7535 0481 2.
Lewisohn, Mark. The Beatles Recording Sessions. New York: Harmony Books. ISBN 0-517-57066-1.
Miles, Barry. Paul McCartney: Many Years From Now. New York: Henry Holt & Company. ISBN 0-8050-5249-6.
Napier-Bell, Simon. Black Vinyl, White Powder: The Real Story of the British Music Industry. Ebury Press. ISBN 978-0091869922.
Turner, Steve. A Hard Day's Write: The Stories Behind Every Beatles Song. New York: Harper Paperbacks. ISBN 0-06-084409-4.
Wallgren, Mark. The Beatles on Record. New York: Simon & Schuster. ISBN 0-671-45682-2.
Portal:The Beatles. Contenido relacionado con The Beatles.
miércoles, 21 de octubre de 2020
A ha “Take on me” Traduciendo el inglés noruego
La famosa canción de los ochentas puede traducirse literalmente en su título como “asume una responsabilidad” (Take on me) ¿pero qué es lo que realmente querían decir estos músicos de la península europea cuando cantaban este estribillo musical”?
El significado figurativo es bastante claro en el contexto: el cantante persigue románticamente a una chica, y la está exhortando a devolver sus afectos con valentía y bravura, a no tocar las cosas «seguras» o «tímidas».
El significado literal siempre ha sido oscuro, sobre todo porque combina el juego de palabras con el inglés fracturado de un hablante no nativo. Creo que es intencionalmente susceptible a múltiples significados*, pero el significado general es esencialmente «Engage [conmigo]», o tal vez «Acepta el desafío que soy yo».
Los significados literales secundarios — «batalla», «contrátame», etc. — contribuyen a esto de una manera muy enrarecida. Y la frase «Tómame», una frase estándar de disponibilidad romántica, por ejemplo, «Tómame, soy tuyo», acecha ahí por implicación.
La única otra cosa que he pensado es que esto es una posibilidad, aunque todavía no funcionará como una frase con un significado preciso: Existe la expresión «toma a alguien» (get a take on someone) que significa hacer rápidamente un juicio sobre el carácter de alguien haciendo observaciones astutas de su lenguaje corporal, movimientos oculares y tono de voz, etc., ¿suena cierto lo que dicen o hacen, o algo parece mal?
Los agentes de policía a menudo dicen cosas como «Tengo una toma rápida de la persona x» (I got a quick take on person x”).
Del diccionario WR, ese significado de «take»: una opinión o evaluación: ¿Cuál es su opinión sobre el candidato? (What’s your take on the candidate?)
«Llévame» (take me on) Acéptame.
Aparentemente, «take on me» es una traducción literal de la frase noruega «ta på meg» que significa «tócame». Así que, como esperábamos, en inglés no tiene sentido.
La mayoría de los noruegos sabrían que no se puede traducir esta frase noruega, que, cómo hemos dicho, significa «tócame », literalmente, y terminar con «tómame». A-ha ciertamente lo sabía. ¡Su inglés no es tan malo!
Por supuesto, las letras de canciones no siempre tienen sentido, pero no creo que esté sea el caso.
martes, 13 de octubre de 2020
“Imagine” de Lennon en las listas de éxitos
Cuando apareció la canción de Imagine en 1971 en homónimo álbum, no figuró en las listas de éxitos, pero veamos que versiones lograron posicionarse sin llegar al número uno en el Reino Unido.
Randy Crawford, el 30 de enero de 1982 de la mano de Warner Brothers, llega a la posición 60 durando dos semanas en las listas.
El llamado programa maldito (por las muertes mediáticas de varios de sus participantes) Glee, lanza su versión el 27 de marzo de 2010 llegando a la posición 57 con dos semanas en los charts, por parte de la disquera Epic.
De manera póstuma, Lennon; logra posicionarse en el año de 1988 con el sencillo Imagine/Jealous Guy lanzado el 10 de diciembre por Parlaphone en la posición 45 estando en las listas cuatro semanas.
Sin embargo, la canción Beatle solista más escuchada hasta el momento, vivió su momento de gloria en 1975 cuando su relanzamiento del 1 de noviembre (recordemos que ese año vió la luz su recopilatorio de “éxitos” Shaved Fish) lo llevo directo al número uno y dejó a la melodía rondando nada menos que 42 semanas en las listas.
Quizás el escarabajo líder se adelantó casi media década a la descomposición social que empezaba a marcarse en esos momentos.
jueves, 8 de octubre de 2020
La isla de John Lennon
No es de extrañar que la llegada a la isla Dorinish (si, aquella que se ve al comienzo del video “Free as a bird”) del Beatle John Lennon y su nueva novia, Yoko Ono, en junio de 1968, arruinara algunas plumas. Al igual que la mayoría de las pequeñas islas interiores de Clew Bay, estaba deshabitada por humanos y resultó ser la temporada de anidación de sus gaviotas residentes, un momento bastante estresante desde una perspectiva aviar. El hecho de que la Sra. Ono estuviera comiendo un panecillo de colmena no ayudó a mitigar la sensación de confusión y, naturalmente, algunos de los amigos emplumados se abalanzaron sobre ella asumiendo que llevaba nuevo material blando para sus nidos.
Todo esto, un año después de que John Lennon hubiera visto un anuncio en un periódico británico de una isla frente a Irlanda para la venta.
Parte del laberinto de islas interiores en la espectacular bahía del Condado de Mayo, Dorinish era propiedad de Westport Harbour Board y había sido utilizada como estación piloto para buques de carga que navegaban en el puerto. Pero los tiempos estaban cambiando y la misma ya no era un puerto ocupado y tan atado al dinero en efectivo por lo que la isla de 19 acres fue puesta a la venta en subasta pública. Así que Lennon envió a The Beatles 'Mr Fixit' (Sr. Arréglalo) Alistair Taylor, quien fácilmente superó las ofertas de un grupo de agricultores locales interesados en comprar la isla para pastoreo.
Lennon, el muchacho de Liverpool, que más tarde descubriría su herencia irlandesa, se convirtió en el dueño de una isla por la suma principesca de £1.700 libras esterlinas £25,380.82 a valor actual o sea unos 31,342.39 dólares, y su valor histórico por ser la "isla Beatle" (misma que fue vendida por Yoko, cuatro años después de fallecido Lennon, donando el dinero a la localidad) ronda las 30,000 libras, precio de venta actual.
Según la tradición local, Lennon visitó la isla dos veces y pasó una noche allí con Ono con la ya mencionada caravana gitana. Al parecer, el clima se volvió desagradable en una de esas ocasiones y se vieron obligados a conseguir un helicóptero de regreso a Westport Quay, donde un gran observador, del atuendo de Ono bromeaba: «Su minifalda era tan corta que se podía ver Louisburgh entre sus piernas».
Fue en esta segunda ocasión que los Beatles fueron titulares de primera plana en The Mayo News después de que John y un séquito de siete personas, aterrizaran en el césped del Great Southern Hotel, Mulranny, (en estos días el Mulranny Park Hotel) como invitados para el fin de semana.
«Beatle Was 'Enchanted' With Mulranny Visit» (el Beatle estaba “encantado” con su visita a Mulranny) declaró el titular del entonces reportero novato, el difunto Martin Curry.
De hecho, esta fue realmente una primicia casual, como Martin confirmó al final de su artículo: «Mi visita al hotel el sábado por la noche fue para cubrir la llegada del Ministro de Asuntos Exteriores, Frank Aiken. No esperaba que fuera el único reportero en el lugar para cubrir la sorpresiva llegada del Beatle “millonario”. Por supuesto, incluso en los días anteriores al internet, el telégrafo era muy eficiente en el oeste, y un grupo de periodistas llegó al día siguiente para comprobar si podían obtener una confirmación de si el matrimonio de Lennon con Cynthia había terminado, pero el Beatle se negó a comentar.
Lennon no era tan reticente con sus anfitriones e invitados del hotel, sin embargo. El domingo por la noche, participó en un concierto en el hotel, organizado por el gerente, Bob Lalor, y dirigido por Tony Chambers.
El informe de Curry dice: «Participarán los hermanos Molloy, Mulranny (acordeón); Dominick Grady, Newport, quien interpretó unos temas en las gaitas. La Srta. Peggy Jennings, recepcionista del hotel y nativa de Hollymount, que ofreció una exposición de baile irlandés y otras variedades también fueron aportados por el personal del hotel.
El Sr. Lennon y su grupo quedaron muy impresionados por el canto de «Danny Boy» y «La Rosa de Tralee» de la Sra. Larry McGovern.
Más tarde, el Sr. Lennon tocó una grabación de un nuevo disco de The Beatles titulado 'Revolution', que estaba a punto de ser lanzado. Era la primera vez que la grabación se escuchaba en público.
«Estaba encantado con Mulranny y muy satisfecho con su compra de la isla», declaró el artículo.
«El hecho de que la zona no esté comercializada en modo alguno aumenta su belleza», dijo Lennon a Martin Curry.
Un viaje de 25 minutos se hace desde el puerto de Rosmoney a Dorinish que es, de hecho, dos islas unidas por una calzada. Por el lado de tierra por Croagh Patrick y con el faro protector de Inisgort al noroeste, no hay evidencia de que Lennon haya residido allí hoy. Sin embargo, hay una serie de pozos rodeados de piedra, restos de la comuna hippy de Sid Rawle: La Tribu del Sol. Causaron una gran controversia local cuando, con el permiso de John Lennon, vivieron en la isla durante varios años desde 1969, siendo sacados del lugar solo por el clima del Atlántico y un incendio.
Westport puede ser una ciudad cosmopolita en estos días, pero en la década de 1960 la palabra 'hippy' no formaba parte del léxico local. Muchos negocios locales se negaron a servirles cuando llegaron a la ciudad con sus coloridos kaftanes y vestidos de gasa, predicando el poder de las flores y el amor libre. Afortunadamente, los entonces propietarios de The Asgard Bar, Sue y Tad Minish adoptaron una perspectiva más abierta y a menudo les permitieron dormir en sus locales del muelle y zarpar de vuelta hacia Dorinish en una embarcación de su propiedad .
Otro simpatizante de los huéspedes Lennonianos, fue el difunto Tommy Gibbons del vecino Inishlyre. Cada vez que los hippies necesitaban ir al continente levantaban una bandera y Gibbons los recogía en su pequeña nave. En una ocasión, Tommy se ofreció inocentemente a compartir sus cigarrillos después de que los observara pasar uno bastante largo hecho a mano mientras se deslizaban a través de las olas hasta el pequeño muelle de Murrisk.
La historia de la colonia hippy proporcionó material a la prensa internacional que acudió a The Tavern Bar en Murrisk para filmar un documental con la gente del lugar.
Bibliografía
Harry, Bill (2000) The John Lennon Encyclopedia, Virgin Books.
Jackson, John Wyse (2005) We all want to change the world, Haus Pub.
jueves, 1 de octubre de 2020
Isolation: La canción del coronavirus
Realizar un cover o un remake, ya sea en la música o en el cine, siempre es un riesgo, y uno muy grande. Y el peligro aumenta cuando se trae de vuelta el trabajo de un grande como lo es, en el caso de la música, The Beatles o John Lennon.
Sin embargo, hay bandas que nos sorprenden con un cover que supera nuestra expectativas.
Como una forma de recaudar fondos para luchar contra el COVID-19, Two Door Cinema Club ha lanzado una nueva versión de «Isolation», tema original de John Lennon, el cual fue grabado en los EMI Studios el 6 de octubre de 1970 y el cual Lennon, hizo doble pista de sus voces para la sección media, que fueron enviadas a cada lado en estéreo. La parte del órgano de la canción se escucha con mayor claridad inmediatamente antes de los versos finales.
El dinero que salga de esta reconstrucción del tema será destinado a Extern, una fundación irlandesa que durante esta crisis global se ha encargado de apoyar a los sectores más vulnerables de la población de Irlanda. Alex Trimble, vocalista y guitarrista de Two Door Cinema Club, fue el encargado de grabar esta pieza acompañado de su guitarra acústica. A través de un comunicado en sus redes oficiales, la agrupación enfatizó su deseo de ayudar en esta pandemia a través de su música. «‘Sin precedentes’ no hace justicia al costo humano que este virus bastardo está teniendo en las personas», escribe la banda. «Queríamos hacer algo, incluso pequeño, para ayudar a aquellos que son especialmente vulnerables en este momento, por lo que Alex ha grabado una versión de la espectacular ‘Isolation’ de John Lennon. Todos los ingresos de la canción irán a Extern Charity, que está haciendo un trabajo increíble en Belfast y en toda Irlanda. Es de donde somos, es nuestra amada casa, así que por favor den, transmitan y compren todo lo que puedan». Two Door Cinema Club no es la única banda que ha realizado un cover de este tema recientemente. El nuevo proyecto de Jeff Beck y Johnny Depp lanzó su propia versión de «Isolation» hace unas semanas. «Johnny y yo hemos estado trabajando juntos en música durante un tiempo, y grabamos esta canción durante nuestro tiempo en el estudio el año pasado», dijo Beck. «No esperábamos lanzarlo tan pronto, pero dados todos los días difíciles y el verdadero 'aislamiento' por el que la gente está pasando en estos tiempos difíciles, decidimos que ahora podría ser el momento adecuado para que todos lo escuchen. Escucharás más de Johnny y de mí en un rato, pero hasta entonces esperamos que encuentres algo de consuelo y solidaridad en nuestra toma de este clásico de Lennon».Los artistas aseguraron que esta canción cobró una enorme importancia en estos tiempos gracias a su mensaje tan profundo acerca del aislamiento y de lo que puede causar en un ser humano. «Isolation» es parte del álbum debut de John Lennon como solista John Lennon/Plastic Ono Band estrenado el 11 de diciembre de 1970, y desde entonces, una enorme cantidad de músicos como Joe Cocker, Snow Patrol y Ann Wilson se han dado a la tarea de versionar la icónica canción. Escucha esta nueva versión realizada por el frontman de Two Door Cinema Club, Alex Trimble, y se parte de esta buena causa.
Two Door Cinema Club "Isolation"
https://youtu.be/Gpaw1IAn87s
Bibliografía
Dave Longstreth de Dirty Projectors versiona “Isolation” de John ... Visto el 23 de septiembre de 2020 en https://www.elquintobeatle.com/2020/03/20/dave-longstreth-dirty-projectors-versiona-isolation-john-lennon/.
Hear Jeff Beck and Johnny Depp Cover John Lennon's 'Isolation'. Visto el 23 de septiembre de 2020 en https://ultimateclassicrock.com/jeff-beck-johnny-depp-john-lennon-isolation/.
Isolation (John Lennon song). Visto el 23 de septiembre de 2020 en https://en.wikipedia.org/wiki/Isolation_(John_Lennon_song).
Two Door Cinema Club reversiona "Isolation" de John Lennon ... Visto el 23 de septiembre de 2020 en https://www.rollingstone.com.mx/two-door-cinema-club-reversiona-isolation/.
¡De un grande a otro! Spoon coverea "Isolation" de John Lennon. Visto el 23 de septiembre de 2020 en https://www.sopitas.com/musica/spoon-cover-isolation-john-lennon/.
miércoles, 23 de septiembre de 2020
El momento de los hijos
Muchas cosas cambian cuando tienes una criaturita en tus brazos producto del amor entre dos personas. Quisieras que el mundo fuera perfecto para tu(s) hijos, donde no hubiera enfermedades, necesidades problemas, etc. la idea que ronda por tu mente es que no se rompa el lazo invisible que existe entre ellos y tú nunca jamás. Sin embargo, conforme transcurre el tiempo y van creciendo te das cuenta que sólo eres un eslabón en la cadena del tiempo y la supervivencia de la raza humana. Por tanto debes de ser consciente de que tu deber como padre es enseñarles a vivir, si así como lo lees, porque cuando te vayas ellos pasarán los valores y enseñanzas que a su vez tú recibiste a sus hijos y así, hasta que el último ser humano deje de existir.
Y como toda persona está formada por sus recuerdos, debes llenar a los tuyos con aquellos que les hagan ser unos adultos hechos y derechos en toda la extensión de la palabra. Dicho otra manera, cumpleaños festejados, navidades y eventos importantes, que en la medida posible y de tu disponibilidad cuenten con la presencia de papá y mamá.
Comparte sus gustos por la música, películas, videos, ya que de esa manera sabrás qué es lo que piensan de la vida y tú con tu experiencia podrás indicarles lo que puede funcionarle o no, para el día que tengan que valerse por sí mismos. Y esta, puede no ser la parte más agradable de la situación (o la relación) pero así es como debe ser, ellos deben abandonarte para seguir sus sueños y su propia historia. Porque es ahí donde ellos encontrarán plenitud y felicidad, y cuando veas que la han encontrado, sabrás que hiciste bien la tarea. No te preocupes porque siempre estarás ahí para ellos para apoyarlos con sus necesidades y sus problemas, y porque no, con sus hijos, tus nietos, la continuación de tu historia, el capítulo tres y si están en contacto hasta el día de tu muerte entonces te irás de este mundo con la satisfacción de que creaste un lazo más allá de la obligación de ser padre o madre.
miércoles, 16 de septiembre de 2020
¿Quienes fueron mayor tendencia que el cumpleaños de Ringo Starr?
Llegar a los ochenta años es un logro y más en estos tiempos raros; sin embargo, uno que ya llego a la meta es el baterista Ringo Starr.
El ex Beatle fue tendencia en las redes por este hecho, pero hubo otras búsquedas en Google, que superaron el acontecimiento, que finaliza el día en el lugar 15, a continuación, las catorce más buscadas del día.
14. Mary Trump: El morbo lleva al vulgo a buscar sobre el libro que va a ver la luz, sobre la vida familiar del Presidente de Estados Unidos.
13. Bolsonaro: El presidente de Brasil, es demandado por periodistas a los que convocó para informarles que tenia coronavirus... ¡sin usar cubre bocas!
12. Jef Bezos: El fundador de Amazon recuerda su infancia en el rancho de su abuelo, donde aprendió que se sale adelante con lo que se tiene a la mano.
11. Terry Crews: El artista crítica al movimiento de “Black Lives Matter” como “supremacista”.
10. DeSean Jackson: El jugador de las aguilas de Filadelfia del fútbol americano, postea “su verdad” en las redes sociales sobre las manifestaciones en Estados Unidos.
9. Novavax: Las acciones de esta compañía farmacéutica suben por el anuncio de un descubrimiento de una vacuna para el coronavirus.
8. Charlie D’Amelio. Famoso tiktoker estadounidense rompe con su novia Chase Hudson, por cuestiones de infidelidad.
7. Amber Heard: La ex de Johnny Deep, menciona que su relación se vino abajo por el tatuaje de este último en el que se lee “Wino forever” (refiriéndose a su ex Winona Rider).
6. Tik tok: La red social china es tendencia por las acusaciones de espionaje por parte del gobierno de Estados Unidos.
5. Addison Rae: La estrella de tik tok se disculpa por haber reposteado un video de “All lives matter” donde una mujer acusa a “Blacl lives matter” de ser un culto que causa más “daño” que “bien”.
4. Lysol: La agencia de protección al medio ambiente de los Estados Unidos, concluye que este desinfectante en aerosol, elimina el coronavirus de superficies no porosas.
3. DeSean Jackson: Nuevamente aparece la estrella de fútbol americano, a quien se le invita a ir al campo nazi de concentración de Auschwitz antes de seguir posteando comentarios anti semitas en la red.
2. Tik tok: Una vez más la tendencia sobre la aplicación china, esta vez por su posible prohibición en territorio estadounidense.
1. Mary Kay Letourneau: Fallece a los 58 años, la maestra que tuvo relaciones con su alumno menor de edad del cual quedó embarazada, fue a la cárcel y se casó y se divorció de el años después.
Llegamos a la conclusión que el morbo y la política, fueron la tendencia que opacó el onomástico del escarabajo baterista.
miércoles, 9 de septiembre de 2020
Mersey Beat: El sonido de Liverpool
La música beat o beat rock fue un género de música rock y pop nacido en el Reino Unido a principios de los años 1960. Una parte de este estilo se denominó como Merseybeat, en referencia a los grupos surgidos en la región de Merseyside a la que pertenece Liverpool, la ciudad que vio nacer a The Beatles y a otros grupos del género.
Los instrumentos habituales de la música beat fueron la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y la batería y su sonido se caracterizó por la sincronización de estos dos últimos. La parte vocal puede recordar al doo wop con coros repitiendo sílabas sin significado, pero a diferencia de este género, los falsetes y los tonos demasiado graves no son habituales. En un principio, los grupos beat tocaban fundamentalmente canciones de rock and roll y R&B, hasta que The Beatles comenzaron a grabar sus propias canciones.El género se originó en Liverpool, aunque muchos de sus grupos pasaron temporadas actuando en la ciudad alemana de Hamburgo, interpretando canciones de R&B con influencias de doo wop, skiffle y en mayor medida rock and roll. Además de The Beatles, otras bandas importantes del género procedentes de Liverpool fueron The Searchers, Gerry and the Pacemakers y The Merseybeats, quienes en su mayoría se curtieron actuando en el Cavern Club de esta ciudad inglesa.
Las bandas beat más importantes, además de las de Liverpool, fueron The Hollies, Herman's Hermits, The Dave Clark Five, The Monkees, los primeros The Zombies y los australianos Easybeats.
Su época dorada tuvo lugar entre los años 1963 y 1965. A mediados de esta década inició su decadencia cuando la mayoría de las bandas beat comenzaron a tocar rock psicodélico. Muchos de estos grupos dieron lugar a la llamada Invasión británica, como fue conocida la oleada de artistas de rock británico que obtuvieron una gran popularidad en Estados Unidos a mediados de los años 60, liderados por The Beatles.
El merseybeat es un estilo de beat y rock, era el sonido de Liverpool, era el nombre de un tipo de música, alrededor de los años 60. Quizás el grupo más famoso de este género fueron The Beatles. Otros importantes grupos fueron Gerry and the Pacemakers, The Searchers y la cantante Cilla Black.
Los primeros grupos musicales de este género pueden ser Rory Storm and the Hurricanes o Kingsize Taylor and the Dominoes.
Bibliografía:
Bell, R. (2016). <i>The History of British Rock and Roll: The Beat Boom 1963 - 1966</i>. Lulu Press, Inc.
Kuhlmann, M. (2012). <i>Beat Waves ’Cross the Mersey</i>.
Kane, L. (2013). <i>When They Were Boys</i>. Hachette UK.
Harry, B. (1977). <i>Mersey beat</i>. New York, NY.
miércoles, 2 de septiembre de 2020
La tierra de la leche y la miel
Milk and Honey, es el octavo y último álbum de estudio del músico británico John Lennon y de su esposa, Yōko Ono, en 1984. Este trabajo tuvo mucho menor impacto comercial que su antecesor Double Fantasy.
De igual forma, supone el primer álbum póstumo con nuevas composiciones de Lennon, grabadas durante los últimos meses de su vida y en las sesiones de Double Fantasy.Milk and Honey era el proyecto de la pareja como sucesor de Double Fantasy, si bien la muerte de Lennon causaría el archivo temporal del material hasta que Yoko se vio capaz de completarlo.Por décadas, circuló la versión de que el título del álbum, Milk and Honey, es una referencia a la relación sentimental entre John y Yoko, constituyendo una expresión que explicaba la diferencia de orígenes de cada uno. En efecto, la frase es conocida y se utiliza en Nueva York para definir a una pareja de origen blanco y asiático.En una entrevista más reciente en 2010, Yoko Ono desmintió esa versión y aseguró que si bien el título fue una idea suya, éste en realidad hace referencia a su viaje a los Estados Unidos, "la tierra de leche y miel".Pero también, en las Escrituras, la tierra de la leche y la miel es donde usted va después de su muerte, como una tierra prometida". Ono llegó a decir.Así que es muy extraño que se me ocurriera ese título.La foto de la portada del álbum fue obra del artista japonés Kishin Shinoyama. Se registró en una tarde de agosto de 1980 en el Central Park de Nueva York. Es una toma alternativa en color de la misma sesión de fotos producida para la portada de Double Fantasy.
Mientras tanto, la foto de presentación interior es de Allan Tannenbaum tomada el 26 de noviembre de 1980 donde John y Yoko filmaban una secuencia erótica en la Galería Sperone en Nueva York.
John Lennon y Yoko Ono grabaron entre ambos un total de 22 canciones nuevas durante las sesiones de Double Fantasy, en diez días, entre agosto y septiembre de 1980; de ellas, se destinaron 14 a ese álbum y las restantes se incluirían junto a otras en Milk and Honey en 1981.
Sin embargo, después de la muerte de Lennon, Ono archivó las cintas grabadas por casi tres años y se dispuso a volver a escribir nuevas canciones, desechando las tomas realizadas originalmente. Por lo tanto, en esta ocasión su material está compuesto de 6 grabaciones registradas durante los preparativos del álbum en 1983. En términos generales, sus composiciones le dan un toque más comercial y moderno al disco, mientras que las de Lennon tienen un sentimiento más informal. Inevitablemente, el foco central de las letras era el sentido de pérdida que tuvo después de la muerte de su marido. La calidad de las canciones de Ono sorprendió a muchos críticos, y tienen una frescura que a menudo carece en Double Fantasy.
Por otra parte, el material de Lennon procede, de tomas de los ensayos inéditos realizados en agosto de 1980, en el estudio The Hit Factory de Nueva York, bajo la producción de Jack Douglas. Las canciones fueron compuestas entre junio y julio de 1980 en las islas Bermudas. Casi todas ellas incluyen breves introducciones o codas habladas de Lennon en ese estudio, las cuales no se editaron deliberadamente.Las canciones fueron grabadas de una forma simultánea mientras se iniciaba con las que se incorporaron en Double Fantasy. Las que fueron dejadas de lado de este disco, estaban originalmente planeadas para ser editadas en la primavera de 1981, cuando John pensaba realizar una gira mundial.Al respecto, en una entrevista televisiva con la serie Masters of Sound de Jim Ladd, en enero de 2010, Jack Douglas recordó: "John imaginaba una gran producción para su gira, en la cual incluiría canciones de The Beatles con nuevos arreglos".Técnicamente, algunas de estas grabaciones no son la toma definitiva que deseaba Lennon para incluirse, finalmente, en el álbum. Incluso algunas de las canciones presentadas tampoco es probable que se incorporaran en Milk and Honey.
Nobody Told Me" y "I Don't Wanna Face It" son dos canciones compuestas en un principio para el álbum de Ringo Starr, Stop and Smell the Roses. A pesar de que Starr recibió una copia de ambos demos grabados en las Bermudas, tras la muerte de Lennon no se sintió con ánimos de grabar las canciones.Nobody Told Me" sería el último gran éxito del músico, al entrar entre los diez primeros puestos de las listas de Estados Unidos y el Reino Unido.Por otro lado, dos éxitos menores son los sencillos "Borrowed Time". y "I'm Stepping Out", publicados entre marzo y julio de 1984.
My Little Flower Princess" es una breve composición incompleta. La canción lanzada seria una referencia para grabaciones a futuro, permitiendo que Lennon la replanteara mejor.Finalmente, un sexto y último tema es "Grow Old With Me", el único que no registró en las sesiones. Es un demo grabado en la casa de la pareja en noviembre de 1980. Aunque se ensayó en algún momento en el estudio en septiembre de 1980, nunca se realizó una grabación definitiva.
De forma predecible, la reacción a la publicación de Milk and Honey fue menor que con la edición de Double Fantasy. Aun así, fue bien recibido por la crítica musical, y alcanzaría el puesto #3 en Gran Bretaña y el #11 en los Estados Unidos, donde sería certificado como disco de oro.
Tras enojarse con David Geffen, cuyo sello discográfico Geffen Records había publicado inicialmente Double Fantasy, Ono firmaría con Polydor Records, encargada de publicar en un primer momento Milk and Honey. EMI, casa del catálogo musical completo de Lennon desde su etapa con The Beatles, adquiriría Milk and Honey a mediados de los 90.Jack Douglas, co-productor de Double Fantasy junto a Lennon y Ono, también participaría en las sesiones de Milk and Honey, aunque Yoko declinaría incluirlo en los créditos tras romper su relación profesional tras la muerte de Lennon.
En 2001, Yoko Ono supervisó la remezcla de Milk and Honey para la reedición, añadiendo tres temas adicionales, incluido un extracto de 22 minutos de la última entrevista concedida por John en la tarde del 8 de diciembre de 1980.
Bibliografía
Beck, M. (1981). Last Lennon album on way. NY, NY: New York News Inc.
Graustark, B. (1984). The last ballad of John & Yoko. Los Angeles, CA: Time, Inc.
Lennon, J., & Ono, Y. (n.d.). Milk and honey. Polydor.
Noyer, P. D. (2010). John Lennon: the stories behind every song 1970-1980. London: Carlton Books Ltd.
Beck, M. (1981). Last Lennon album on way. NY, NY: New York News Inc.
Graustark, B. (1984). The last ballad of John & Yoko. Los Angeles, CA: Time, Inc.
Lennon, J., & Ono, Y. (n.d.). Milk and honey. Polydor.
Noyer, P. D. (2010). John Lennon: the stories behind every song 1970-1980. London: Carlton Books Ltd.
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